Allan Holdsworth - I.O.U. (1982)

Hoy vamos a hablar de un excelente guitarrista que después de haber servido como acompañante o pilar fundamental en varios lanzamientos y grupos históricos durante casi una década, en Nucleus, Gong y Soft Machine, con Bill Bruford y Tony Williams Lifetime o en el lanzamiento de su propio U.K., finalmente había la oportunidad de hacer las cosas a su manera - la publicación no autorizada y dictada por la codicia por Creed Taylor de CTI de “Velvet Darkness” en 1976 obviamente no cuenta. Estamos hablando de Allan Holdsworth y de su álbum I.O.U.

IOU. Mezcla de canciones e instrumentales, esto te recordará a King Crimson (después de Discipline ),  ha tocado con Bill Bruford , U.K. ,Gong, Nucleus entre otros, incluso cuando desafía gran parte de lo que creías saber sobre la guitarra eléctrica, los sonidos que Holdsworth obtiene de su Stratocaster son increíbles. Hay tramos de sonido suaves y sedosos que emulan teclados electrónicos y pasaje largos de increíble habilidad y gracia, todo ello entregado con una precisión matemática que trasciende la comprensión.

"(Para cada composición) me gusta tener una cosa específica que ocurra más o menos en esa melodía sola, y no se encuentra consistentemente en ninguna de las otras". Aunque, obviamente, debido a que era mi composición, creo que hay algun hilo de evidencia de locura en alguna parte ... " Allan Holdsworth.

Gary Peacok - Mil Gracias (1935-2020)

A los 85 años murió Gary Peacock, uno de los contrabajistas más importantes de jazz moderno, de los que más allá del carácter individual del instrumentista concibieron el jazz como una gran posibilidad para el diálogo.

Peacock creció en Yakima, Washington, donde asistió a la Yakima Senior High School, ahora llamada A.C. Davis High School. Aprendió el piano, la trompeta y la batería. Cuando tenía 15 años, escuchó jazz en vivo por primera vez. En 1953 fue reclutado por el Ejército, mientras estuvo destinado en Alemania, tocó el piano en un trío de jazz, pero cambió al contrabajo cuando el bajista del grupo renunció. Como no habían demasiados bajistas, tocó en varias sesiones con diferentes personas en Frankfort. Tras dejar el ejército en 1956, siguió en Alemania tocando con Hans Koller, Tony Scott, Bud Shank, Atilla Zoller y otros, antes de regresar a Los Ángeles. Allí tocó en sesiones con Barney Kessel y Art Pepper, y en 1962 con Don Ellis (Essence), Clare Fischer (First Time Out y Surging Ahead), entre otros. Se casó con la también músico Annette Peacock (luego se divorciaron) y comenzó a colaborar con el pianista Paul Bley con quien grabaría nueve álbumes.

Bill Frisell, Rudy Royston, Thomas Morgan - Valentine (2020)

De nuevo en el blog, hay mucho material por difundir en este momento, pero traemos uno recién salido del horno y se trata de Valentine, un disco del maestro Bill Frisel y su trío, conformado por Rudy Royston (batería) yThomas Morgan (Bajo). Valentine esencialmente captura a una banda probada en la carretera en su mejor momento en el estudio. Después de dos años de actuaciones en clubes de jazz y salas de conciertos en todos los estados y Europa, el trío terminó su gira en el legendario Village Vanguard, sitio de muchos álbumes de tríos famosos. Con un repertorio que variaban todas las noches, documentaron su voz colectiva por primera vez en sesiones de estudio en dos estudios en Portland (la ciudad natal de Frisell) poco después de la carrera de Vanguard. Lastimosamente me perdí un concierto "on-line" que dieron este mes en ese recinto...

El álbum fue grabado a fines del año pasado, poco después de una residencia de quince días en el club de jazz Village Vanguard de Nueva York. Algunas canciones se probaron en la carretera, pero otras no se habían reproducido antes, lo que le dio al álbum un equilibrio satisfactorio de lo familiar y lo fresco.

Carles Benavent - Quartet (2009)

Sabes lo que es un "Hang". El hang es un instrumento de percusión melódico conformado por una pieza hueca de metal esferoide oblata, con abolladuras en su superficie de diferentes formas y tamaños que al ser percutidas con las manos producen diferentes notas y escalas musicales. Fue desarrollado en mayo de 1999 por Felix Rohner y Sabina Schärer de Panart en Berna, Suiza. Actualmente su producción está discontinuada.

El Cuento de hoy empieza asi porque Carles Benavent iba paseando por los alrededores de la plaza de la Catedral, en pleno Barrio Gótico de Barcelona, cuando un extraño sonido lo atrapó. Era el hang. "Oía de lejos ese sonido y, al cabo de unos segundos, me encontré a Ravid Goldschmidt, a quien yo no conocía, tocando ese extraño instrumento sentado en una calle —recuerda Benavent—. Cuando llegué a casa, hablándolo con mi mujer, me comencé a arrepentir de no haberle pedido al músico su teléfono." Sin embargo, los caminos de Benavent y ese israelí que en 2004 abandonó su país y su instrumento hasta entonces —la batería— para dedicarse, ya en Cataluña, a explorar la belleza magnética del hang, estaban predestinados a encontrarse: "Estaba preparando la música para un ballet que me encargaron cuando los músicos que tenían que participar en él, que todavía no conocía, vinieron a mi estudio. Uno de ellos era Ravid, y le solté: '¡Ahora sí que no te me vas a escapar!."

Luis Perdomo - The 'Infancia' Project (2012)

Hoy traemos al blog con orgullo patrio a un músico venezolano el cual se ha ganado muchos elogios por su trabajo en entornos de jazz latino con diferentes artistas como el percusionista Ray Barretto y el saxofonista Miguel Zenón ,pero que ademas ha tocado el piano con el saxofonista Ravi Coltrane y sus propios álbumes lo colocan a la vanguardia del jazz moderno, en toda su gloria expansiva e inclusiva. El hombre ademas tiene una conexión con el baterista Jack DeJohnette y el bajsta Drew Gress crean música que invita a la reflexión, poderosa y única. Pero aquí vamos a hablar del disco The 'Infancia' Project editado en el 2012.

El conjunto se beneficia tanto de la fina ejecución del pianista como de sus músicos de sesión cuidadosamente elegidos, comenzando con los primeros compases de "La otra izquierda", sus complejos ritmos de clave proporcionados por el percusionista Mauricio Herrera y el baterista Ignacio Berroa. El bajista Andy González presenta "Happy House" de la saxofonista Ornette Coleman , aquí transformada en un seductor groove-dance, mientras que las innovadoras compensaciones entre Perdomo y el excepcional saxofón de tonos profundos de Mark Shim '"Solar" demuestra el fuego y el brío que eleva el conjunto completo más allá de cualquier grabación encasillada.

Markus Stockhausen, Ferenc Snйtberger, Arild Andersen, Patrice Heral - Joyosa (2004)

En 1997 Markus Stockhausen y Arild Andersen comenzaron a trabajar como dúo. Un año después, continuaron como trío con Patrice Héral. En 1999, Ferenc Snétberger y Markus Stockhausen también formaron un dúo que se presentó con éxito en el álbum «For My People». Más tarde, Ferenc también tocó en dúo con Patrice en Hungría. Debido a las conexiones amistosas entre todos ellos, estos cuatro músicos decidieron fundar un cuarteto en 2002 que ahora se presenta en "Joyosa" presenta una nueva amalgama de los sonidos de hoy que es al mismo tiempo completamente elegante, llena de alegría y vibrante de vitalidad. Cada uno de los músicos involucrados escribe piezas para este grupo colectivo que no tiene «líder».

“Este álbum es un golpe de suerte. Porque para "Joyosa" se han unido cuatro personajes artísticos que pueden dejar que la música fluya juntos. Las trompetas de Markus Stockhausen suenan delicadas y puras como la soprano de un niño y desarrollan un aura hechizada por la expresión y el efecto a través de sensaciones sinceras y una seguridad estética asombrosa. La guitarra acústica de Ferenc Snétberger irradia una calidez en la que los personajes y los viajes en solitario se convierten en historias privadas en las que deja participar al público. El bajo de Arild Andersen es una columna vertebral acústica que le da fuerza al cuarteto y los salva de demasiada melancolía a través de matices inteligentes. Finalmente, Patrice Heral se ve más como un percusionista que como un laico del ritmo y complementa la música con patrones sutilmente complejos, a veces secundarios, intervenir en los acontecimientos. Jazz de cámara al más alto nivel.

Philip Catherine - Sleep My Love (1979)

Sabes lo que es un Nagaswaram? El nadaswaram, nadhaswaram o nagaswaram es un instrumento musical de viento de doble lengüeta de India, la cual mide 90 cm. de largo. Es uno de los instrumentos típicos en la música sacra de los templos y en las bodas, principalmente en la provincia de Tamil Nadu. Es similar a un Oboe, pero más largo, con cuerpo de madera y pabellón de madera o metal. Es usualmente tocado en pares, y acompañado por un par de tambores llamados thavil. Y como suena este instrumento acompañado de Kalimbas, Sintetizadores, Flautas y Guitarras? Bueno a continuación traemos el disco de Philip Catherine, que es un guitarrista de jazz belga, conocido por sus colaboraciones en numerosos discos y con músicos de jazz como Chet Baker, Charles Mingus, Dexter Gordon, Richard Galliano, Niels-Henning Ĝrsted Pedersen, Stéphane Grappelli, Toots Thielemans, Robert Wyatt, Klaus Doldinger, Buddy Guy, Karin Krog, Carla Bley, Larry Coryell, Mike Mantler, Joachim Kühn, y dentro de la banda de rock progresivo Focus (casi nada...), acompañado ademas del gran músico estadounidense Charlie Mariano y el Holandes Jasper van't Hof, en un disco que tiene mas de 49 años y es como los buenos vinos, al pasar el tiempo se disfrutan mas.

En este disco titulado "Sleep My Love" , Philip Catherine nos trae un trabajo hermoso, juguetón y a veces melancólico de tres músicos que están en una increiblemente sinfonía entre sí. Jasper van't Hof en el piano y el ancla de sintetizador con texturas encantadoras, y empuja a los solistas Charlie Mariano (flautas y saxos) y Philip Catherine (guitarra) hacia nuevas direcciones. Las kalimbas de Jasper en Smell of Madras lanzan un hermoso pasaje de Charlie tocando el nagaswaram indio con sintetizadores brillantes. El efecto es sorprendente, como un oboe gigante que resuena a través de los pasos del Himalaya. Philip varía de melancolía otoñal a maravillosos vuelos de fantasía, con Charlie no menos inventivo, y el trabajo termina con una versión discreta pero conmovedora de La noche transfigurada de Schoenberg (que recuerda a Rock Bottom de Robert Wyatt). Imperdible..

Gerry Weil - Tepui (2009)

Hoy rendimos homenaje a un Músico "Venezolano" que ha dejado huella y sigue marcando pautas en la Música, se trata de Gerhard Weilheim, más conocido como Gerry Weil , es un músico austriaco-venezolano. Actualmente cuenta con una importante trayectoria como pianista, compositor, arreglista y educador. Su obra musical está considerada entre las más valiosas dentro del género jazzístico en Venezuela, llegando a ser catalogado como “El maestro del jazz venezolano”. No se puede hablar de Jazz en Venezuela sin hablar de Maestro Gerry.

El maestro, todavía lo recuerda, tenía seis años cuando las tropas americanas, francesas y rusas se instalaron en Austria, tras vencer en la Segunda Guerra Mundial. Para entonces, vivía con su abuela y escuchaba el swing de estas melodías desde un pequeño radio de su hogar. —Vivía con mi abuela como refugiado en una casa de campo en las afueras de Salzburgo, luego de que un bombardeo destruyera nuestra casa en Viena, al final de la guerra. Me iba a jugar con otros niños a un puentecito cerca de un río, donde siempre veíamos a unos soldados alemanes: derrotados, muertos de hambre, recogiendo colillas de cigarrillo para fumar… y un día llegamos y no estaban. Había un tanque americano. Fue la primera vez que vi un negro. Era un soldado estadounidense que sacó una antena y sonó su radio: sa-ba-di, du-du-di, du-du-di, du-du-di. Wa-wa. ¡Era “In The Mood”, de Glenn Miller! Yo quedé con los ojos pelaos. Decía: ¿Qué es esto tan bonito? Y desde ese momento, cuando estaba en la casa de campo empecé a sintonizar la estación de las tropas norteamericanas.

Wolfgang Haffner - Kind of Tango (2020)

Hoy vamos con el Sello ACT y el nuevo álbum del excelente baterista Wolfgang Haffner quien, después de los muy buenos álbumes Kind Of Cool, Kind Of Spain, nos trae de visita el tango argentino, y eso es un verdadero placer. Incluso si no es el mejor álbum de la serie, sin embargo demuestra que el nivel de excelencia de los músicos que son Lars Danielsson, Vincent Peirani y Ulf Wakenius, siendo el más notable el sonido de la batería. Si la batería brilla a lo largo de este álbum, estamos lejos del espíritu del tango, con una guitarra que quiere un poco mas de "jazz" pero que el excelente bajista Lars Danielsson atrapa y suaviza. Y esta es la razón por la que clasificaremos este álbum en la serie de nuestros elementos esenciales, porque la aleación de piano, contrabajo y batería es simplemente maravillosa, al igual que el acordeón de Vincent Peirani, el cual magistralmente es el acompañamiento en las actuaciones de otros músicos, como aquí. El título más notable de este álbum es sin duda "El Gato", que es casi solo la tarjeta de presentación de la etiqueta ACT, con un know-how único. Allí, de hecho, entendemos el ángulo que tomaron los músicos, ¡con una atmósfera y dramaturgia musical en la cima! Al igual que el último título, "Recuerdos", que comienza con Vincent Peirani y una cadena de sonidos puros que le permite apreciar la calidad de estos músicos a su justo valor. Un registro de un alto nivel de excelencia, un "esencial".

Después de "Kind of Cool" y "Kind of Spain", el baterista y director de orquesta Wolfgang Haffner resume su trilogía de grabaciones de jazz multicolores, profundamente relajadas y delicadamente estridentes, con esta mezcla musical con sabor a tango. Explica Haffner: “No se trata de reproducir un original, es mucho más como una traducción. Cuando absorbo y adapto las influencias y cuando escribo, sigo mi propio camino, y eso me permite ser yo mismo. Es un proceso del que puede surgir algo nuevo y contemporáneo ". Así es como Wolfgang Haffner describe el enfoque artístico en su trilogía de álbum "Kind of ...", todos los cuales tienen el inconfundible sonido de Haffner corriendo a través de ellos. Después de una primera aventura en el jazz cool, y luego una búsqueda de tradiciones musicales en España, su nuevo destino es Buenos Aires. El ritmo es la esencia del tango, además de melodías pegadizas que luego se pueden desarrollar, y también hay tanta emoción en él .

Supersister - Present From Nancy (1970)

Bueno para hoy vamos con una banda que llega al medio cupón, con su álbum Present from Nancy, y es la Banda Supersister, fundada en 1967 en La Haya, Países Bajos. Supersister tenía mucho sonido en la escena de Canterbury. Combinan sus propios ideales holandeses y un toque de humor en una mezcla única de rock progresivo. Se puede escuchar mucha flauta y saxo, entrando y saliendo del variado órgano y piano. Se pueden escuchar las influencias de FRANK ZAPPA & THE MOTHERS OF INVENTION, algunos WIGWAM (muchos órganos) THE SOFT MACHINE (especialmente desde el momento en que THE SOFT MACHINE era un trío) también a bandas como Eggs, Gong y Khan. "Present From Nancy" es un álbum debut increíble con grandes canciones, mucha flauta y órgano distorsionado y un vocalista que suena bastante a Richard SINCLAIR. 

En este punto, eran un grupo de adolescentes que estudiaban Soft Machine "Volumen 2" y de alguna manera lograron mejorarlo. En cualquier caso, Supersister destiló las mejores partes de Soft Machine y Caravan agregándole sus toques personales , y dejó un patrimonio para los que siguen en la escena. Escuchar el teclado de Stips es de primera categoría, empleando el órgano fuzz tanto como le sea posible, mientras que el resto de la banda pone los ritmos apretados y complicados juntos detrás de él. Agregan un poco de flauta hermosa y melódica, y el estilo vocal suave que los holandeses parecen haber dominado tanto como el inglés, y tiene un álbum que es irresistible.

Tatran - Shvat (2014)

Para hoy vamos con Tatran, es un power-trio de base instrumental formado en Israel por el año 2011, y está formado por Offir Benjaminov (bajo), Tamuz Dekel (guitarra) y Dan Mayo (batería). TATRAN lanzó su álbum debut 'Shvat', el cual recibió una cálida aclamación internacional llegando a la cima de las listas de popularidad Jazz, Instrumental y Post-Rock del las listas mundiales. Desde entonces, la banda se ha presentado en todo el mundo demostrando nuevas piezas. Tatran presenta un estilo inteligente y único junto con una excelente música pegadiza. Con solo una guitarra, batería y un bajo (y, por supuesto, muchos efectos), Tatran crea un sonido progresivo 'jazzy' que me recuerda a muchas nuevas bandas progresivas (Se los dejo a su Imaginación).

Shvat es un álbum maravilloso y meticuloso, cuando comienzas a escucharlo, realmente no quieres pausarlo. Es uno de esos álbumes que debes escuchar de principio a fin para entender. La banda eligió sabiamente el orden de las canciones que juntas se sienten como si fueran a un viaje ilusorio. La banda fue capaz de armar un LP instrumental de aproximadamente una hora de duración, a la vez que lo mantenía no solo escuchable, sino que también era agradable. Su sonido es muy único y contiene elementos de jazz, hard rock, fusión, ambiente y más (y a menudo se clasifican en Israel como una banda independiente).

Giovanni Guidi - Avec Le Temps (2019)

Para este ritual les traemos otro músico del Staff de ECM, pero que también tiene trabajos en el Sello ACT, el cual nos trae un Trió con el contrabajista estadounidense Thomas Morgan y el baterista portugués Joao Luis Lobo. Hablamos del pianista italiano Giovanni Guidi con su disco Avec Le Temps del año 2019. Giovanni Guidi tiene una serie de grabaciones de ECM en su haber, tanto como acompañante como líder de su propio trío, con una carta de presentación impresionista, libre y lírica. Nacido en Foligno 1985, conoce a Enrico Rava durante un Taller en Siena. Rava se da cuenta de su talento y decide incluirlo en el proyecto "Rava Under 21", que se convertiría en "Rava New Generation" después de un tiempo. Con este grupo, Guidi grabará dos CD, en 2006 y en 2010, para la revista "ESPRESSO".

Giovanni y su trió tocan música íntima y profunda, que a veces es pura poesía, a veces viene con matices sombríos, a veces suena amigable y solemne. Las pocas piezas aceleradas toman algún tiempo para realmente tomar impulso. Los cinco músicos solo entran en pleno apogeo con un número: en "No Taxi" melódicamente orientado basado en Ornette Coleman. Estos brotes son bienvenidos interludios en el álbum atmosférico, que de otro modo sería lento.

ECM siempre ha sido una etiqueta de sorpresas. De vez en cuando, sin embargo, llega más allá de lo inesperado a algo eterno. Tal es el sentimiento de Avec Le Temps de Giovanni Guidi , un álbum tan meticuloso en su atención al detalle, y la forma que se siente inevitable. Es una de esas fechas que revela nuevas capas con cada interacción, y al hacerlo demuestra que esas capas siempre han estado con nosotros.

Gregoire Maret, Romain Collin, Bill Frisell - Americana (2020)

Hoy vamos al Sello ACT, para traerles el disco Americana, lanzado este año. "Americana" representa una emocionante colaboración entre tres músicos prodigiosos: la gran armónica Gregoire Maret, el aclamado pianista Romain Collin y el increíble Bill Frisell. Grégoire Maret es un fenómeno y un maestro de la música. Es un virtuoso con una imaginación vívida y una forma sublime de dar forma a una melodía. El artista con sede en Nueva York ha grabado con Jimmy Scott , Jacky Terrasson , Steve Coleman y Five Elements, Charlie Hunter , Terri Lyne Carrington , Pat Metheny y muchos otros. Este músico es muy rentable y ha aparecido en más de setenta y cinco lanzamientos como acompañante y ha grabado como líder en tres álbumes. Mientras tanto, Collin es un pianista de jazz extraordinario" y el Boston Globe lo describe como "entre las luces principales de una nueva generación de músicos". Al conocerse en Nueva York, los dos músicos se unieron por un amor compartido por el jazz, la canción y la melodía pura. Juntos se embarcaron en un proyecto que exploraría las profundidades musicales del alma estadounidense. Se dirigieron al genial Bill Frisell para ayudar a forjar una conexión entre la composición de canciones estadounidense y el arte de la ejecución instrumental.

Maret ha sido residente de Nueva York durante los últimos 20 años. “Mi madre es estadounidense, nacida en Harlem, y me ha legado el legado de la cultura afroamericana (Perdón a la redundancia). Me veo como un puente entre dos culturas: la europea y la afroamericana ”. Maret ha sido una figura importante en la escena de Nueva York, tocando junto a Pat Metheny y Herbie Hancock. "Este nuevo álbum es el resultado de experiencias culturales personales". Maret y Collin decidieron llamar a este proyecto "Americana". Explican: “'Americana' está en la intersección de folk, country, blues, R&B, gospel y bluegrass. La esencia de este proyecto es adoptar una actitud inclusiva a todas las raíces de la música y la cultura estadounidense ". El nativo de Francia Collin se ha convertido en una presencia establecida en los Estados Unidos. Apreciado por personas como Herbie Hancock y Wayne Shorter, Collin ha desarrollado una estética distintiva, integrando un diseño de sonido electrónico con improvisaciones de piano lírico. En las guitarras, el dúo contrató los servicios de una de las grandes mentes creativas del instrumento: el timbre lírico y de canto de Bill Frisell en la guitarra eléctrica y acústica es inconfundible, siempre marcado por sus propias metamorfosis personales de bluegrass, country y blues y por su profundo conocimiento de la filosofía de la composición de canciones. El baterista Clarence Penn también hace una contribución fina e incisiva. siempre marcado por sus propias metamorfosis personales de bluegrass, country y blues y por su profundo conocimiento de la filosofía de la composición de canciones.

Airbag - A Day at the Beach (2020)

Hoy vamos con algo de progresivo, Airbag lanzo un nuevo álbum de estudio titulado 'A Day at the Beach' con Karisma Records. Sobre estas líneas se puede ver el vídeo del primer tema, 'Machines and Men'. No es ningún secreto que tengo debilidad por la música de Airbag. La banda de rock progresivo noruego llamó mi atención por primera vez, a través de su segundo álbum, 'All Rights Removed'. Fue amor a primera vista, al escuchar gracias a su capacidad de crear música hermosa, atmosférica y cargada de emociones con el tipo de esfuerzo que está en los artistas por sacar un disco de calidad.

Sobre este single, la banda comenta: "Machines and Men" fue una de las primeras canciones escritas para el álbum. La demo inicial fue básicamente con guitarras, batería y voz y durante un período de trabajo en el estudio, ensayando y tocando la canción en vivo, poco a poco se convirtió en algo nuevo y fresco que definió la mayor parte del material en el que estábamos trabajando". inspirado en el resurgimiento de la música electrónica de la década de 1980, new wave y partituras de películas, Las letras describen los acontecimientos de la guerra de manera fría y objetiva, solo para dirigirse al espectador, con una advertencia y la posibilidad de mirar hacia otro lado", comenta Airbag.

Oded Tzur - Here Be Dragons (2020)

Para hoy Domingo como tradición (Domingos de Jazz) traemos el debut del saxofonista nacido en Israel / Nueva York, Oded Tzur , enormemente vigorizante y que abarca todo el debut de ECM de su disco Here Be Dragons disco liberado este año, junto a sus compañeros de equipo están : pianista y compañero israelí Nitai Hershkovits, compañero neoyorquino, el bajista griego Petros Klampanis, que traduce las conmovedoras y anomalías cromáticas en los estados de animo de Tzur con una mano invisible más realizada de lo que realmente se escuchó, y, completando este cuarteto pictórico, el propio Johnathan Blake , que emplea su kit como una máquina del tiempo.

En el siglo XXI parece casi imposible creer que alguien pueda inventar una forma completamente nueva de acercarse al saxofón tenor, pero esto es esencialmente lo que ha hecho Tzur, como explica Steve Lake de ECM en las notas del álbum.

La influencia de la música clásica india en el jazz no es nueva, pero "Here Be Dragons" nunca suena como un disco de 'Indo-Jazz'. No hay sitars, ni tablas ni voces. En lugar de intentar crear algún tipo de música pancultural, Tzur toma estas influencias indias y las convierte en un sonido que es intensamente personal para él, aprovechando varias culturas pero aún reconocible como el lenguaje del jazz, y hablando ese idioma con un acento único.

Lo que evoca este título, por supuesto, son los mapas mundiales medievales (quizás míticos) tardíos que presentaban esa frase en partes del mundo que los europeos aún no habían explorado. Le da al álbum una sensación de que avanza hacia partes desconocidas, que es lo que este cuarteto está haciendo, sutilmente.

Jean-Louis Matinier, Kevin Seddiki - Rivages (2020)

Hoy vamos a hablar de dos músicos extraordinarios Jean-Louis Matinier y Kevin Seddiki's, músicos que han grabado en el Sello ECM, en este particular les traigo el disco Rivages, grabado este año en el estudio RSI Auditorio Stelio Molo de Lugano . El acordeonista Matinier ha aparecido en ECM antes, con Anouar Brahem en Le pas du Chat Noir y Louis Sclavis en Dans la Nuit , y acompañó a Juliette Gréco en la gira. Seddiki está haciendo su debut en ECM con este álbum, después de haber estudiado guitarra clásica y dejar su huella con varios otros dúos, con la percusionista Bijan Cheminari y la cantante Sandra Rumolino, mientras que Seddiki acompañó a Dino Saluzzi y Al di Meola. Su álbum Il Sentiero presentó al bandoneonista Daniele di Bonaventura (que dúos con Maciek Pysz en Coming Home ) por lo que tiene afinidad con los instrumentos bramidos, y trabaja en muchos idiomas

Lo que hace que esta oferta del dúo sea una propuesta tan atractiva es la gran belleza y variedad de la música. Matinier evoca una asombrosa variedad de texturas y colores del acordeón, y se complementa con el sonido de la guitarra de Seddiki. Ambos músicos son expertos en cambiar de roles en un abrir y cerrar de ojos proporcionando patrones rítmicos y apartados, o hilando líneas melódicas que lo barren. Es difícil resistirse al atractivo de la encantadora 'La chanson d'Hélène' de Philippe Sarde, 'Après la pluie' de Seddiki o la 'Rêverie' de composición conjunta.

Mare Nostrum (2007)

Bueno y estamos de vuelta otra vez en el Blog, hemos estado algo ocupados en esta nueva etapa, ademas de aprender y conocer, les traigo muy buen material para las nuevas exposiciones, en esta ocasión les traigo un Sello y unos artistas nuevos para mi, a lo mejor ya lo conocerán ustedes pero que a mi me han impactado por la instrumentación y su ejecución. Primero déjenme presentarles este Sello llamado ACT, para mi es como la competencia de ECM, Wikipediamente hablando : ACT es un sello musical alemán fundado en 1992 por Siegfried Loch, un músico alemán de origen polaco. Es una discográfica especializada en la publicación de música de jazz y world music. La compañía ACT disfruta de reconocimiento internacional por su apuesta a la música innovadora, tanto en el jazz como en otros géneros. Es un sello serio y respetado entre las personas aficionadas al jazz más actual, tanto por la selección de sus artistas, como por sus cuidadas ediciones musicales.

Pocos años después de su fundación, se ha convertido uno de los sellos destacados del jazz independiente. Anunció su presencia en el mercado en octubre de 1992, con el lanzamiento de Jazzpaña. Con este disco consiguió el reconocimiento de la crítica y recibió dos nominaciones a los premios Grammy y un Premio de Jazz otorgado en Alemania. El sello ACT tiene a artistas que les traere al blog como lo son : Nils Landgren, Ulf Wakenius, Lars Danielsson, Wolfgang Haffner y Jan Lundgren entre otros. Todo ello hace de ACT una referencia obligada para la música de jazz en Suecia.

Ralph Towner - Solstice (1974)

Hoy vamos a escribir sobre una joya que llega ya a sus 45 años, obra que es un icono para el sello discográfico ECM, en este disco se presenta un cuarteto que reúne a cuatro de las grandes figuras de este corporativo, Solstice es un álbum del guitarrista estadounidense Ralph Towner que cuenta con Jan Garbarek , Eberhard Weber y Jon Christensen. Grabado en Oslo en Diciembre de 1974 y etiquetado por ECM con el numero de serie 1060. Podría decirse que esta es la primera grabación que desarrolla completamente la extensión auditiva por la que se ha conocido a ECM. 

Aunque soy muy consciente de la inmensa oleada de actividad musical que fue en la década de 1970, ciertamente un álbum como este fue una experiencia refrescante y totalmente alucinante para aquellos afortunados de ser jóvenes exploradores musicales en ese momento, en mis catorce años ni pensaba oír esta joya que descrubi a mis 22 y aun sigo escuchando y disfrutando como la primera vez. Con una formación de músicos que engalanarían la importancia de ECM en la trama del tiempo, Solstice es un tour de la musicalidad, la escritura, el arreglo y la grabación. Cada pista está llena de vida y presenta la aplicación sensible de una variedad de combinaciones instrumentales y conocimientos de estudio. Como diría mi amigo Jose Mayorga, esto tiene 50 años de adelanto musical y creo que aun sigue sumando.

Paisajes y momentos de una espiritualidad intensa que trasciende lo verbal; una oda silenciosa a la pradera, a las hojas de los arboles arrastrados por el viento, a las nubes o al inmenso océano. Todo eso se puede encontrar en el sonido cristalino de la guitarra de Towner el cual también aquí lo escuchamos tocando el piano, en el sinuoso contrabajo de Weber, en el maravilloso saxofón de Garbarek y en el delicado entramado de ritmos de la batería de Christensen.

Ginger Baker Trio - Going Back Home (1994)

Hoy vamos a hablar de un Baterista que nos dejo el año pasado, GINGER BAKER, es mundialmente reconocido por su carrera musical que data de los años 60 en Inglaterra, reconocido por su participación en la Banda "Cream" que incluía a Eric Clapton y el bajista Jack Bruce, teniendo corta vida este trió, dejo una huella increíble en la Historia del Rock&Roll así como otras bandas en que toco como "Blind Faith".  En este particular tenemos a un Trio, en la guitarra a el gran Bill Frisell y en el Bajo nada mas y nada menos que a Charlie Haden, este baterista el hombre de los mil ritmos, él siempre se considero un músico de jazz, incluso cuando llego a personificar la descarada libertad del rock&roll.

Esta reunión tiene de todo para disfrutes de un gran Power Trio . Baker a menudo juega con el tiempo, la regularidad de sus ataques a la batería da una impresión de gravedad bastante distante y flotante para con estos dos compañeros. Pero es por este contraste que Going Back Home brinda la mayor satisfacción. Los tambores están relajados, como algunos tambores africanos, se funden con el sonido amortiguado de Charlie Haden, quien en una especie de solo ininterrumpido y largo, en pocas notas, escuchas al baterista, lo que siempre precede. En este ritmo poco convencional, Bill Frisell se divierte mucho, un solista casi único en los diez temas, siempre atento a llenar el espacio, sin tocar miles de notas. A veces pareciera que estamos lejos de una versión acústica de Cream, A través de tentaciones ligeramente psicodélicas, el uso de formas de blues se superpone al uso de melodías africanas y las dos versiones de Thelonious Monk y Ornette Coleman son bastante conmovedoras y verdaderas.

Mal Waldron - Mal, Dance and Soul (1989)

ESTILO COMO ESTILO, No existe para este Músico Nacido el 16 de agosto de 1925 en Nueva York, Mal Waldron fue, a lo largo de una carrera que comenzó tarde en el piano, un acompañante particularmente buscado: por sus cualidades de borrachera y presencia; por su elegancia también y su capacidad para captar pistas, artistas, diferentes climas, sin cambiar la esencia del la pieza mutando en cada momento. Mal asignable a un género o una época, Mal Waldron ilustra una idea (frecuente) del arte afroamericano que una rutina del oído rechaza para el estilo como tal.

Sus comienzos profesionales en el saxofón alto (Nueva York, 1947) fueron seguidos por estudios con Karol Rathaus en el Queens College (instrumento y composición). Lo más rápido es remitirlo a Duke Ellington y Monk, que es más o menos el caso de todos los pianistas modernos: no todos ellos ponen su delicadeza al tacto y esta sensación de silencio atravesada por fórmulas cíclicas muy cautivadoras. El espíritu de la música, este musico, lo aprovecha junto a Charles Mingus y Eric Dolphy (desde 1954), después de la trayectoria dibujada por los grandes saxofonistas y olvidado, en los despiadados y tónicos grupos de rhythm 'n'blues. Establecido en Europa en 1965 (Roma, Bolonia, Múnich), inventó con Steve Lacy un nuevo sentido del diálogo, una forma rara y una relación precisa con la música, hoy traemos un trabajo llamado Mal, Dance and Soul disco lanzado en el 89 por el Sello recien inaugurado TUTU. No fue la primera vez que Mal Waldron recibió el encargo de grabar el primer álbum para un sello discográfico recién fundado (caso. ENJA y ECM).

Gary Burton Quartet - Passengers (1977)

En una reunión de amigos musicales, vino a la mesa el nombre de Gary Burton, un vibrafonista , compositor y educador estadounidense de jazz el cual ha tocado con musicos extraordinarios de Jazz. Burton desarrolló un estilo pianístico de la técnica de cuatro mazos como alternativa a la técnica predominante de dos mazos. Este enfoque hizo que se le conociera como un innovador, y su sonido y técnica son ampliamente imitados, también es conocido por ser pionero del jazz fusión y popularizar el formato de dúo en el jazz. Y me vino a la memoria, recordando un trabajo que hizo con el maestro Eberhard Weber, por el año 1976 llamado "Passengers", disco editado por el Sello ECM, el cual es una maravilla. Es un álbum del Cuarteto de Gary Burton  grabado en 1976 y lanzado en el sello ECM en 1977, y aquí se presentan los primeros trabajos del guitarrista Pat Metheny y varias de sus composiciones. Ademas cuenta Steve Swallow en el bajo y Dan Gottlieb en la Bateria. Un año antes, Metheny había editado su primer álbum solista, Bright Size Life (ECM, 1976), en el cual graba una primera versión de Midwestern Nights Dream, lo cual permite, a partir de la comparación entre ambas, notar su temprana evolución. Burton fue nombrado Jazzman del Año de la revista Down Beat en 1968 (el más joven en recibir ese título) y ganó su primer Premio Grammy en 1972. Al año siguiente, Burton comenzó una colaboración de cuarenta años con el pianista Chick Corea, reconocido por popularizar el formato del jazz duet performance. Sus ocho álbumes ganaron premios Grammy en 1979, 1981, 1997, 1999, 2009 y 2013.

Un álbum clave en la discografía de Gary Burton, que, de paso, es un documento de inapreciable valor para conocer los comienzos del guitarrista Pat Metheny.Un despliegue de creatividad y virtuosismo, en el que la música se convierte en energía pura. Uno de los grandes valores de este disco es el de ser un testimonio sonoro de los inicios de Pat Metheny: su toque moderno y fresco le había dado una nueva dinámica a la banda del vibrafonista Burton, pero además, en este álbum se estrena como compositor para la misma, al haber escrito tres de los seis temas que conforman Passengers. Ya que también se presenta el Yellows Fields de Weber y el Sea Journey de Corea.

Eberhard Weber - Later that Evening 1982

Pido disculpas al Maestro Weber, por no acordarme de su cumple el mes pasado, mi favorito, mi maestro, un grande como lo es Eberhard Weber,  nacido un 22 de enero de 1940, en Stuttgart, contrabajista y compositor este señor fue uno de los que junto con su paisano y colega Manfred Eicher fundaron el sello musical ECM y sus distintas ramificaciones. y es que oyendo al difunto Mays, me acorde de su participación en el álbum de Eberhard Weber "Later that Evening", una de las excelentes Obras del Maestro. Weber trajo a la mesa un estilo compositivo distintivo, tan influenciado por el clasicismo europeo y el minimalismo contemporáneo como el swing y la improvisación, este disco esta compuesto de cuatro originales de Weber, con un promedio de casi 11 minutos cada uno, este gran conjunto de músicos nunca mas fue repetido. El sonido es cristalino, nítido y muy aireado, como puede esperarse de un lanzamiento clásico de ECM. La música en el álbum es relajada, tempo baja, casi siempre prístina y sin ritmo, minimalista pero precisa. Un excelente relax para nuestros queridos oyentes.

Por supuesto la portada maravillosa, esplendida de su amada esposa Maja Weber, nos presenta ECM para este álbum, lo que sera un detalle que mantendrá Weber a lo largo de su discografía .

Adiós y Gracias Lyle

Bueno, no quisiera que esto fuera recurrente, tener que hacer un reportaje de un disco solo porque se nos murió una celebridad, hay tanta música por reportar que es una lastima hacerla por homenaje, en este caso se refiere a que se fue a otros planos un excelente músico llamado Lyle Mays, fuente de inspiración para muchos y gran ejemplo para otros. 

Tras la noticia de su muerte,Lyle Mays, quien murió a los 66 años en Los Ángeles el 10 de febrero después de una enfermedad recurrente, nos deja ese vacío en pensar como hubiese sonado otra versión de Wichita con Metheny su leal compañero el cual comentó, tras conocer la  noticia: “Lyle fue uno de los mejores músicos que he conocido. A lo largo de más de 30 años, cada momento que compartimos en la música fue especial. Desde las primeras notas que tocamos juntos, tuvimos un vínculo inmediato. Su amplia inteligencia y sabiduría musical nutrieron cada aspecto de quién era en todos los sentidos. Lo extrañaré con todo mi corazón”. 

Pero hagamos un recorrido de su vida, para aquellos que no conocieron a este maravilloso músico. Y es la esencia de este Blog, divulgar la buena música. 

Chris Squire - Fish Out of Water (1975)

Y seguimos rindiendo homenaje a los que se fueron, y esta vez le toca a Christopher Russell Edward Squire (4 de marzo de 1948 - 27 de junio de 2015) fue un músico, cantante y compositor inglés mejor conocido como Chris Squire, bajista y miembro fundador de la banda de rock progresivo Yes . Fue el miembro original con más años de servicio, permaneció en la banda hasta su muerte y apareció en todos los álbumes de estudio lanzados entre 1969 y 2014. Pero en este aparte nos vamos a disfrutar del primer y único álbum que este señor nos dejo. Fish Out of Water fue lanzado en 1975, cuando Yes estaba en una pausa. Después de Relayer de 1974 , la banda se tomó un descanso mientras los miembros perseguían proyectos en solitario. El álbum, simplemente, fue y es un logro impresionante. En muchos aspectos, fue tan bueno como cualquier álbum de Yes y fue un álbum que Squire tuvo mucho cuidado al armar. 

La discusión entre los fanáticos todavía se desata sobre quién fue el mejor si Olias Of Sunhillow de Jon Andersons es el más cósmico y es otra propuesta musical que al día de hoy todavía tiene ese punch "una joya"y el de Steve Howe's Beginnings es el más competente técnicamente, pero el este bajista,fue el que complació a la mayoría de las personas que habían llegado a amar la mezcla de la banda de suntuosas voces y cambios de tiempo difíciles. Llamó a sus amigos, incluido su compañero en Yes, Patrick Moraz en los teclados, Bill Bruford en la batería, Mel Collins en el saxo y el increíble órgano Barry Rose. Squire toca el bajo perfecto. A veces suena como un Jon Anderson relajado. Aunque lanzó dos álbumes con Billy Sherwood, y un álbum de Navidad en 2007 como 'Chris Squire's Swiss Choir', Fish Out Of Water fue su único álbum en solitario. Una pena, ya que es realmente muy bueno.El titulo del disco tiene que ver con el apodo de Chris, apodado Fish por Bill Bruford. Un apodo que surgió durante una gira donde inundó su habitación del hotel, y porque Squire pasó largos períodos en la bañera mientras compartían una casa en Fulham, por lo que Bruford lo bautizo con este seudónimo. Dato curioso, el signo astrológico de Squire era Piscis, 

Gracias Neil, Adios Rush?

Neil Peart, quien fue baterista y compositor de la banda de rock progresivo Rush falleció el pasado 7 de enero a los 67 años. De acuerdo a Canadian Broadcasting Corporation (CBC), el músico murió en Santa Monica, California, tras una larga batalla contra el cáncer cerebral. Además de ser uno de los bateristas más importantes del rock por su técnica, Neil Peart escribió las letras de las canciones de Rush; también es autor de cuatro libros y entró al Salón de la Fama del Rock & Roll en el 2013. La última vez que Rush salió de gira fue en el 2015, año en el que la banda dio a conocer que se retirarían de los escenarios debido a la tendinitis de Neil Peart, además de la artritis del guitarrista, Alex Lifeson. Pero creemos que ya sabían que venía un desenlace fatal.

Neil Peart nació en el seno de una familia de granjeros en las afueras de Hamilton (Ontario), el 12 de septiembre de 1952. Su familia se mudó cuando el padre de Neil consiguió empleo en una empresa de venta de maquinaria agrícola en St. Catharines. Peart también recibió clases de Piano, sin embargo, abandonaría el instrumento luego de algunas lecciones. En cambio, utilizaba un par de palillos para golpear rítmicamente cuanto objeto viera en casa. Fue así como al cumplir 13 años, sus padres le regalaron un par de baquetas, junto con un pad de práctica y lecciones de percusión, prometiéndole que si era capaz de continuarlas durante un año, eventualmente le regalarían una batería, así nació su inquietud por lo que amaría toda su vida.

Jim Hall y Pat Metheny (1999)

Bueno Feliz Año 2020 para todos mis seguidores y los amigos invisibles de la red, vamos a empezar entonces este año bisiesto por demás, de una manera tranquila, para digerir de una manera calmada y pensar en los nuevos retos que tenemos, entonces dispongámonos a escuchar este maravilloso disco de par de excelentes músicos como lo son Metheny y Hall. Jim Hall y Pat Metheny es un álbum de Jazz que fue lanzado por Telarc el 27 de abril de 1999. El álbum contiene once pistas de grabación de estudio y seis pistas en vivo.

Jim Hall era ya un artista consagrado que había tocado con alguno de los más grandes como Bill Evans, Sonny Rollins o Ella Fitzgerald y estaba alcanzando un estatus reservado a los más grandes como revolucionario de la guitarra en una música como era el jazz en el que nunca estuvo entre los instrumentos estrella. De hecho, muchos consideran a Hall como uno de los cuatro pilares del jazz para guitarra junto con Django Reinhardt, Charlie Christian y Wes Montgomery. Además de su labor como intérprete, Hall destaca como compositor y no sólo en el ámbito de la guitarra sino en el orquestal habiendo escrito varias obras para ese formato obteniendo importantes reconocimientos en ese campo. El disco, firmado sencillamente como “Jim Hall & Pat Metheny” iba a contener una serie de dúos de guitarra con Metheny sonando en el canal derecho del estéreo y Hall en el izquierdo, algo similar se hizo en un trabajo de Metheny y Scofield.