Pat Metheny - Secret Story (1992)

Existió una época en la que era posible que Plácido Domingo se presentara en Caracas. Les Luthiers se presentó varias veces en la década de 1990, y se realizaban festivales de jazz donde participaban exponentes del género como Pat Metheny y Chick Corea . El 29 de Septiembre 1993 tuve la dicha de poder ver a Pat Metheny en su tour Secret Story con el amor de mi vida. Uno de los gusticos que me ha regalado esta vida, poder ver a un idolo y un privilegiado como él. Asi comienza este post, con un album que me llena de vida, de esperanzas, de fuerzas, ya que es un disco que es parte del soundtrack de mi vida, y en este momento en el cual empieza una nueva etapa quiero compartirlo con ustedes. 

 Pat Metheny ha sido un verdadero pionero en el ámbito de la música electrónica, y fue uno de los primeros músicos de jazz en usar el sintetizador como un instrumento musical. Años antes de la invención de la tecnología MIDI, Metheny usaba la Synclavier como herramienta de composición. También ha participado en el desarrollo de varios nuevos tipos de guitarras, como la guitarra acústica soprano, la "Pikasso" de 42 cuerdas, su guitarra de jazz Ibanez PM-100, y una variedad de instrumentos personalizados. Uno de sus mayores proyectos es el Pat Metheny Group. El Pat Metheny Group surge tras la colaboración con el pianista Lyle Mays al que posteriormente se une el bajista Steve Rodby; este trío ha sido la base de las distintas formaciones del grupo a lo largo de casi 30 años, complentándose con una serie de músicos multi-instrumentistas que han ido cambiando cada proyecto.

PORTISHEAD - Dummy (1994)

Hoy vamos con Dummy, disco debut de una agrupación de trip hop Portishead, emblemático y paradigmatico, en estos últimos 20 años ha servido de farol para otras agrupaciones y aun se mantiene en el cerebro de muchos. Dummy fue el álbum debut de la banda considerado clave dentro de este estilo musical, junto con otras bandas como Massive Attack o Tricky. Este nuevo género musical se conocería también como Bristol sound, debido a que la mayor influencia partía de grupos y sellos discográficos de la localidad inglesa de Bristol.

Ahora considerado por los críticos como un clásico, y como uno de los discos más influyentes de los años 1990, Dummy tenía un estilo más oscuro que la música que le había inspirado. Hay un tesoro por hallar en cada escucha de “Dummy”: el pobre Johnnie Ray asegurando, a las revoluciones de la congoja, que nunca más cometerá el error de enamorarse (“Biscuit”); el redoble de batería de “Mysterons” serpenteando en una cadencia que palpita al ritmo de Morricone y Badalamenti; esa línea de bajo profunda que parece morir tras el disparo del “Magic Mountain” (War) y resucita después para atravesarte entero (“Wandering Star”); esa trompeta con sordina de “Pedestal”, la última pieza viva de un puzle de samples autogenerados –Geoff Barrow (teclados) y Adrian Utley (guitarra y bajos) crean, guardan, recortan y pegan según un reglamento que transforma la prestidigitación en maestría– que, una vez completo, estremece; el sublime arreglo de cuerda de “Roads”, y los singles: “Sour Times”, el hurto más maravillosamente rentable de “More Mission Impossible” (Lalo Schifrin), y “Numb”, un hidromasaje de Hammond, scratch agonizante y desgarro en clave slowbeat soul. 

Partituras de deep hip hop blues, dub, soul, jazz y avant-garde escritas con agua de llanto, producidas con una técnica impecable –suena austero, casi a demo, activando desde buen principio el mecanismo de la pasión para el soundtrack de una película improbable pero fascinante. Feliz Cumple Alvaro...

Charly Garcia -1989

Este post va dedicado a mi hermano Toba (Cristobal Roges), compañero de conciertos, búsqueda de discos en las tiendas de caracas, y compañero de rumbas y detalles en esta tierra santa, excelente compañero ademas porque sabia oír (largas horas compartiendo opiniones) y disfrutar de estos músicos que venían haciendo una toma musical de Latinoamerica, descubriendo a otras genialidades en cada país y sumando a este movimiento llamado "rock latinoamericano", y en este caso Charly Garcia, si bien es cierto que, en ocasiones, la música es vista como un simple acompañamiento de las rutinas o de los medios del espectáculo, más cierto aún es que hay obras con mucho para decir; que cuentan una época, un estado colectivo o personal, la rebeldía, la represión política o social, las grietas humanas. Y cuando la música conecta con algo que te está pasando o que pasa en tus calles, no puedes escapar.

En Charly, esta característica es capital en una obra que, desde una propuesta musical original y momentos tanto de conexión urbana como de introspección absoluta, defiende los ideales de una persona, una generación y un pueblo.

Pero a lo que vamos, en esta oportunidad voy a colocar dos discos, los primeros de Charly que fueron super importantes para mi y creo que para muchos aquí en Vzla. Se trata de "Yendo de la Cama al Living" y "Clix Modernos". 

Jean-Luc Ponty - Aurora (1976)

Vamos a hablar de un músico que cuando lo conocí (de oído claro) fue a través de un disco de Frank Zappa, luego compre un disco solista y mi gusto por su música siguió a través de los años. Quiero presentarles ese disco Aurora, editado en el año 1976 y la versión acústica de Renaissance se convertiría en su primer hit radial. Este artista se llama Jean-Luc Ponty, violinista de jazz contemporáneo francés, nacido en la ciudad de Avranches (Francia) el 29 de septiembre de 1942. Se capacitó como violinista profesional en el Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris. Su interés hacia el jazz fue impulsado por la música de Miles Davis y John Coltrane. Ha tocado con la Mahavishnu Orchestra y otra cantidad de espectaculares músicos, ademas es muy conocido por su violín eléctrico, el cual le da una impronta especial, casi como el sonido de un sintetizador.

Ponty fue pionero en la combinación del violín con MIDI, cajas de distorsión, pedales wah-wah, entre otros, lo que le permite obtener un sonido parecido a un sintetizador. Este lanzamiento le recordará la excelencia de MAHAVISHNU ORCHESTRA, y la hábil composición de BRAND X . Por supuesto, '' Aurora '' está dominada por el magnífico trabajo de violín de PONTY, que abarca desde pasajes suaves y partes con una sabor mediterráneo intenso a innumerables solos, un ejemplo de las habilidades y el talento de JLP. Su esfuerzo está respaldado por los pianos eléctricos distintivos de Patrice Rushen, los solos eléctricos y la entrega acústica del actual miembro de "Genesis" Daryl Stuermer y las fuertes líneas de bajo de Tom Fowler. A diferencia de los instrumentales a veces altamente emocionales de MAHAVISHNU ORCHESTRA, el trabajo de Jean-Luc Ponty se encuentra en el lado más brillante de la vida con un sonido agradable y melódico. Esto debería atraer definitivamente a los fanáticos del jazz / rock mezclado con elementos progresivos, así como fanáticos de las bandas antes mencionadas.

Jan Hammer - The First Seven Days (1975)

Hoy les quiero compartir un Álbum excepcional, de un Artista Checo llamado Jan Hammer y es que este señor se tomo un momento para entregarnos este álbum conceptual el cual nos permite reflexionar y ubicarnos en este mundo y darle gracias al supremo por habernos dado la gracia de estar en él. Este fue el primer disco que Jan Hammer produjo para sí mismo en su estudio recién construido en su casa en el estado de Nueva York. Se trata de Hammer y de la variedad de teclados que empleó, incluidos el piano, Fender Rhodes, piano eléctrico, moog, secuenciadores, sintetizadores, cuerdas. sintetizadores y mellotrón. Si bien no llamaría a este álbum melotrón, está en todas las pistas menos en una, pero generalmente se usa en segundo plano. Me gusta cuando los coros de mellotrón salen a relucir. 

Tal vez había demasiados virtuosos del teclado que se pavoneaban a mediados de la década de 1970, y un artista no tan pomposo como Hammer simplemente se perdió detrás del brillo de todas esas capas de lentejuelas. Y tal vez se necesitó un poco de tiempo y distancia para apreciar mejor la combinación perfecta de tantas influencias diferentes: rock progresivo, fusión jazz-rock, músicas del mundo, canciones populares de Europa central (Hammer era un checo nativo), música clásica occidental. Tradición orquestal y, por supuesto, todas las tendencias emergentes de la electrónica de finales del siglo XX. O tal vez, en retrospectiva, es simplemente el sonido glorioso de todos esos teclados analógicos clásicos. El mini-moog sonoro y la introducción al melotrón de "Darkness / Earth in Search of a Sun" tiene que ser uno de los abridores de discos más dramáticos en el rock moderno, y cuando los secuenciadores entran en acción y los tambores (tocados por el propio Hammer) patean en, es difícil no experimentar un escalofrío de nostalgia y euforia.

ELOY - Silent Cries and Mighty Echoes (1978)

A mediados de los años 80 fue que encontré a esta Banda Alemana llamada ELOY, siendo "Silent Cries y Mighty Echoes" el octavo álbum de esta banda de rock progresivo Ademas es el tercer y último álbum de estudio con la alineación de Frank Bornemann , Detlev Schmidtchen, Klaus-Peter Matziol y Jürgen Rosenthal. El estilo va desde el rock espacial al rock sinfónico. Su nombre proviene del libro La máquina del tiempo, de H.G. Wells, en el que se nombra una carrera futurista con el nombre de "Eloi". Y los Eloys son los pacíficos habitantes de la superficie de la tierra en el futuro que nos presenta Wells, en contraposición de los Morlocks, que son los sucios y violentos seres que habitan bajo tierra. Un libro de ciencia ficción que tiene mucho que ver con la temática del grupo.

Eloy no son los mejores instrumentistas de la historia, pero te puedo asegurar que su música es adictiva, cuando caes en sus redes ya no puedes dejar de escucharlos. Eloy combinó el sonido de Pink Floyd con algunos elementos que caracterizaron a su país de origen, Alemania. El resultado fue una forma altamente atmosférica de rock progresivo/espacial. Si la palabra espacio te trae a Hawkwind a tu mente, Eloy probablemente te sorprenderá, ya que no son tan enérgicos como los pioneros británicos, aunque posiblemente sean igualmente cósmicos; Si Hawkwind o Nektar te hace sentir que te mueves en el espacio de manera similar a un meteoro o un cometa, Eloy se siente como una nube de partículas de polvo flotando pacíficamente.

Bill Frisell, Thomas Morgan - Epistrophy (2019 )

Epistrophy” es el nuevo trabajo del guitarrista Bill Frisell a dúo con el contrabajista Thomas Morgan. Se trata de la continuación de su anterior trabajo “Small Town”, cuyo material procede de las mismas sesiones,Grabado en el Village Vanguard de Nueva York el Marzo de 2016. Otra joya para el sello ECM, mezclado por James Farber y Manfred Eicher, el álbum cubre desde la canción tradicional (“Red River Valley”) a composiciones de Thelonious Monk (como la que a título al disco), Billy Strayhorn,  la cinematográfica “You Only Live Twice” de John Barry o el tema popularizado por la interpretación de Frank Sinatra, “In the Wee Hours Of The Morning”. 

Una vez más, tanto Frisell como Morgan están en su mejor momento, se comportan como si fueran una persona casi (lo extraño que pueda sonar), repasando una buena selección de composiciones y estándares originales frente a un público muy agradecido (Quien no va ha estarlo?).

Gentle Giant – Gentle Giant (1970)

No podía dejar por fuera a una banda favorita de mis días de juventud. Es la Banda Gentle Giant, la cual fue formada en 1970 en Inglaterra por los hermanos Shulman, después de que se disolviera su grupo anterior, Simon Dupree and the Big Sound, en 1969. Junto con Gary Green, Kerry Minnear y varios bateristas, grabaron once álbumes a lo largo de los años setenta.

Sus primeras grabaciones tendieron a ser más eclécticas y experimentales. En 1974, cuando ya tenían más seguidores en los Estados Unidos, comenzaron a simplificar sus composiciones para poder ganar mayor audiencia. Los discos The Power and the Glory y Free Hand subieron del lugar 50 de popularidad en ventas en los Estados Unidos.

Para 1977, cuando la moda tendía más hacia la música punk y la new wave, el grupo eligió simplificar todavía más su música para hacerla más comercial. En 1979 la banda se mudó a los Estados Unidos para grabar el disco Civilian, después del cual se disolvieron. 

Producido por Tony Visconti, el LP ofrece una mezcla entre hard rock, jazz, blues-rock y sonidos medievales a través de una brillante interacción instrumental. Destacan a largo de todo el álbum el saxo de Phil Shulman, la guitarra de Gary Green y los teclados de Kerry Minnear.  Diversos pasajes sonoros con complejas estructuras, heterogeneidad de estilos, variaciones de tempos, originales arreglos y un apreciable sentido para la melodía son características encontradas en uno de los temas más significativos del disco, “Nothing At All”, canción con excelentes armonías vocales, mixtura entre pasajes acústicos y eléctricos, extenso solo de batería, y lírica melancólica que gira en torno a la soledad y el amor perdido.

Jan Garbarek, Charlie Haden y Egberto Gismonti - FolkSong (1979)

Volvamos a los Clásicos. Tengo una excelente impresión de este disco - razón porque lo destaco - pero solo en mi calidad de simple aficionado creo que se trata de un álbum realmente excepcional, creado con tanta pulcritud cada uno de sus temas que me impresiona. Teniendo en cuenta que cada una de las intervenciones del músico es la justa y necesaria para hacer del tema un todo armónico, y destacando a los tres por separado por la ejecución del instrumento con un sonido perfecto, lo necesario para los compases que debe acompañar así como también su exacta medida cuando se trata de solista.

Gismonti, apoyándose para la interpretación en sus guitarras de ocho cuerdas y en el piano, es quien aporta un mayor número de originales (tres), acercándose a músicas latinas de raíz y creando colchones armónicos obsesivos, entre la canción de cuna y el minimalismo (no en vano dedica “Equilibrista” al mismísimo Steve Reich). Jan Garbarek aborda con extremado lirismo (y lo que Philip Larkin llamaría, en este caso más que nunca, “desencanto escandinavo”) melodías e improvisaciones (especialmente en su composición “Veien”), y Charlie Haden comanda al grupo desde atrás, desde la base rítmica y armónica dominada por un contrabajo que se encarga de varias y variadas funciones musicales. Sin fronteras, sin etiquetas y sin dilemas estilísticos. Pura música.

Rymdem - Reflections & Odysseys (2019)

Ciertamente puedes llamar a Rymden un verdadero súper grupo de jazz. Además de la celebridad del jazz Bugge Wesseltoft en los teclados, Rymden tiene al glorioso bajista Dan Berglund y al baterista Magnus Öström, la sección de ritmo que formó la muy influyente EST con Esbjorn Svensson (Que Dios lo tenga en su santa gloria). Reflections & Odysseys es su primer álbum.

Wesseltoft, por supuesto, tan conocido como tecladista que como jefe del sello discográfico de Jazzland, ha hecho un gran movimiento al trabajar con Berglund y Öström. Porque justo en la primera escucha, queda atrapado en lo que estos hombres pueden hacer. Busseltoft juega con estos hombres al máximo de sus habilidades y juntos están empujando hacia un nuevo estándar de jazz con Reflections & Odysseys . Asi que esta es una gran joya para estar aquí en la Hora del Rito.

Mathias Eick - Ravensburg (2018)

Han pasado 10 años desde que Mathias Eick lanzó The Door e inmediatamente se convirtió en uno de los nuevos trompetistas más prometedores de Europa. Ravensburg , su cuarto álbum de ECM como líder, revela un crecimiento gradual e inteligente. Su principal activo sigue siendo su sonido de trompeta, uno de los más puros y radiantes del jazz. Su lirismo sigue siendo misteriosamente provisional. Nadie toca líneas de trompeta como la de Eick. Son llamadas de esperanza y anhelo, vetas de luz en la oscuridad. Sigue centrando sus álbumes, a la ligera, en torno a conceptos unificados. Su grabación anterior, Midwest , fue un viaje hacia el hogar. Ravensburg es para los más cercanos a él: familia, amigos, y nosotros por supuesto...

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Avishai Cohen - Into The Silence (2016)

Gracias a mi hermano musical Jose Mayorga, me di cuenta de que habian en este Mundo dos Avishai Cohen, que tal!!, uno es una maravilla de Contrabajista y ya lo conocieron en su trabajo de Seven Seas, bueno ahora les presento al otro Cohen, este es trompetista el cual hace su debut como líder para ECM Records y le dedica a su difunto padre el disco, Into The Silence el cual combina el trompetista con una fantástica banda propia que incluye al saxofonista tenor Bill McHenry, al pianista Yonathan Avishai, al bajista Eric Revis y al baterista Nasheet Waits. 

La otra gran fortaleza del trompetista es su lirismo, que cree haber adquirido escuchando a sus maestros: "Aprendí escuchando al más grande: Louis Armstrong, Miles Davis, John Coltrane, Sonny Rollins, Monje Thelonious. Es su "lenguaje" que yo quería aprender a hablar . El tema del lirismo también está relacionado con su país de origen (Israel) y la cultura que pudo captar durante su infancia: " No juego al israelí tradicional, dejé este país a los 18 años". Pero el discurso, así como el contexto de esta música, están definitivamente anclados en mí ". Bueno señores sin mas preámbulo les presento a Avishai Cohen.

Tonbruket - Nubium Swimtrip (2013)

Tonbruket fue fundado en 2009 por Berglund junto con el multiinstrumentista Johan Lindström para hacer una música que no tuviese fácil categorización, ya que en un mismo trabajo se puede ir del jazz rock al free pasando por un jazz muy camerístico. El nombre de la banda sueca se traduce aproximadamente al inglés como "Tone Workshop", y describen su música como "pegada a la esencia del tono, la melodía y el ritmo de una composición". El bajista Dan Berglund, ex integrante del Esbjorn Svensson Trio, fundó el grupo en 2009 con el multi-instrumentista, Johan Lindström, después de la trágica muerte del pianista Esbjorn Svensson en 2008. Tonbruket aspira a tomar la influencia rock que tanto gusta a todos los miembros. del grupo, y combinarlo con las sensibilidades e improvisación del jazz.

Con tantos sonidos e influencias diferentes presentados en este álbum, es difícil de categorizar. ACT Music es conocida por publicar discos que desafían el género y Tonbruket ha estado a la altura de las expectativas. Los músicos en Tonbruket son conocidos como músicos de jazz, pero dentro de este grupo han demostrado que la sensibilidad del jazz puede ser igual de efectiva cuando se usa en la música rock. 

Hoelderlin - Clowns And Clouds (1976)

Seguimos en nuestra maquina del tiempo y esta vez presentamos: Payasos y Nubes, tercer álbum de Hoelderlin, es una obra diferente de este clásico de los 70s de esta banda de rock progresivo sinfónica alemán. No hay duda que Génesis ha tenido una influencia importante en la banda. "Payaso y nubes" es un álbum en que el oyente puede encontrar una especie de rock sinfónico cósmico donde las influencias principales son Génesis, Camel y Grobschnitt.

Es una obra diferente de este clásico de los 70s de una banda de rock progresivo alemán. No hay duda de Génesis es una influencia importante aquí, sobre todo en el lado 'Payasos' (pistas 1 a 3). 'Manicomio' podría haber sido sacada de Trick of the Tail , pero con la adición de viola y saxofón , que le da un sonido totalmente único. 'Your Eyes' es interesante para mí, porque suena como algo que se escucha en un final de los 70 principios de los 80 de los discos de Alan Parsons Project, aunque las secciones instrumentales son mucho más progresivas. El lado 'Clouds' es considerablemente más único y es lo que hace que este álbum sea muy especial. Esta banda se la recomiendo a mi amigo Jose Mayorga, Pura Vida Mae!!!

Ralph Alessi - Baida (2013)

Ralph Alessi es un trompetista a seguir. El problema es que no se prodiga mucho como líder de sus propios grupos. Suele trabajar como ‘sidemen’ y lo hace fantásticamente. Alessi es un gran músico que estaba un poco fuera del circuito habitual y espero que este ‘Baida’ (ECM/Distrijazz)le ponga en su sitio. ECM le ha dado una oportunidad y Ralph ha sabido no desaprovecharla. La compañía es, desde luego, de lujo. Jason Moran al piano, Drew Gress al bajo y Nasheet Waits a la batería.

Con esta misma formación ya había editado el magnifico disco ‘Cognitive Dissonance’ en el sello CamJazz en el 2010. Asi que jugando sobre seguro ha editado este ‘Baida’.Las composiciones son del propio trompetista y están llenas de sabia música. En este ‘Baida’ parece haber querido ir un poco mas allá buscando ampliar su publico, intentando seducir con su profundidad y melodía. Ralph no deja de lado a su gente con temas como ‘In-Flight Entertainement’ o ‘Shank’ pero busca nuevos caminos moviéndose entre el lirismo y la fuerza soterrada de sus músicos, hay delicadeza y potencia a partes iguales pero siempre controlada, eso es lo mas bonito. Temas como el magnifico ‘Gobble Goblins’ es un perfecto ejemplo de esa nueva vía que busca Alessi, ‘Sanity’ o ‘I Go, You Go’ también entran en esta nueva faceta.

Willowglass - Book of Dreams (2008)

Y seguimos desempolvando discos y esta vez vamos a escuchar a un Multi-Instrumentista Ingles llamado Andrew Marshall, el cual toca las Guitarras eléctricas y acústicas, Bajo, Teclados, Mellotron, flauta y percusión, así que mi amigo Wolfgang, este puede ser tu modelo a seguir, bueno seguimos, Marshall es conservador en sus propias pasiones. Sus ideales musicales - clásicos británicos progresistas de los años setenta. Génesis y las obras en solitario de Steve Hackett , Camel ,Jethro Tull , ELP , Gryphon - íconos del género. se hace acompañar en este álbum por su viejo amigo Dave Brightman lo ayuda con la batería como antes. Las pistas de composición son hipercomplejos, dinámicas y figurativas. Con un claro toque melódico, Marshall elabora diseños épicos con algún tipo de gracia aristocrática y nobleza.

En este caso le traemos para su disfrute el Álbum "Book Of Dreams", Los libros de horas fueron un tipo de obras literarias habituales en la Edad Media entre las clases pudientes. Eran libros religiosos y de una gran belleza gráfica en los que se detallaba el tipo de liturgia que debía acompañar a cada hora del día. Andrew con este Disco consiguió una meritoria nominación a los últimos Prog Awards en la categoría de mejor álbum de rock progresivo extranjero. Book Of Hours es una obra sencilla y fácil, por un lado es rock progresivo del clásico, pero hecho con enorme sencillez, como si el amigo Marshall hubiera querido hacer un método sobre qué es este tipo de música en cinco pasos. Por otro lado, es un álbum fácil en el sentido de que la arquitectura interna de cada tema no tiene gran complicación, no aporta gran cosa a los que estén acostumbrados a escuchar rock progresivo. De hecho, parece haber sido desarrollado con la clara intención de que sea un disco fácil, que entre a la primera. Sin embargo, si lo hemos referenciado aquí es porque se trata de una auténtica maravilla sonora, un disco que sólo se puede calificar con el adjetivo de hermoso.

Avishai Cohen - Seven Seas (2011)

Seguimos desempolvando buen material, esta vez un amigo musical que descubrió a un músico excepcional llamado Avishai Cohen, el cual ya lo había escuchado y le envié los discos que yo tenia de él y viceversa, en ese trueque musical les quiero compartir este disco llamado Seven Seas, del año 2011. 

Música preciosista, acústica, de una aparente sencillez que tiene su tierra en el jazz pero que vuela a través de las tendencias contemporáneas siempre con un enorme lirismo. El contrabajista y compositor israelí, amante y defensor del legado musical de la cultura sefardí, publica Seven Seas el 28 de febrero de 2011, dos meses antes de realizar una gira por nueve ciudades españolas para demostrar que es “un visionario del jazz de proporciones globales”, como le definió la revista Down Beat, un “gran compositor y músico genial” según Chick Corea y uno de los cien bajistas más influyentes del siglo XX para la revista Bass Player.

El contrabajista y compositor israelí Avishai Cohen no es el hombre que se adhiere a un sonido. Después de ser descubierto por Chick Corea, se fue por su propio camino con un trío (incluido el pianista Shai Maestro) con una mezcla de jazz creativo moderno y sus raíces hebreas. Seven Seas fue grabado en Gotemburgo por el productor y trompetista Lars Nilsson y desde el abridor etéreo Dreaming parece como si Cohen hubiera olfateado previamente la cultura sueca del jazz. Espacial, el jazz de cámara europeo se mezcla gradualmente con influencias anteriores, como en la pieza del título dominada por la percusión exótica. Cohen tiene un contrato con Blue Note Records, pero Seven Mood no pudo haber estado fuera de lugar en la etiqueta de ECM. 

Taproban - Per Aspera Ad Astra (2017)

"Per aspera ad astra es una frase en latín que significaría en castellano «A través del esfuerzo, el triunfo», «Por el sendero áspero, a las estrellas», «Por las rudezas del camino, hacia las estrellas» o «Hacia las estrellas a través de las dificultades».

Se utiliza también en la forma ad astra per aspera, derivada de la frase original utilizada en la obra de Séneca, el joven.​ La frase de Séneca fue: «Non est ad astra mollis e terris via».

La frase Per aspera ad astra inspiró además un pasaje de la Regla de San Benito (Regula 58,8): «Praedicentur ei omnia dura et aspera, per quae itur ad Deum» («Prevénganlo de todas las cosas duras y ásperas por las cuales se va a Dios»)." - Wikipedia

En un pasado alegre, donde los amigos disfrutaban de un buen foro, presenté una banda formada en 1996 en Roma, Italia por el tecladista Gianluca De Rossi, el baterista Fabio Mociatti, el cantante Paolo Cedrone y el bajista Stefano Proietti, el nombre del grupo proviene de Taprobana, el antiguo nombre de la isla de Ceilán (Sri Lanka). Sus influencias principales en ese entonces fueron bandas británicas de los 70 como Genesis, Gentle Giant y King Crimson. Grabaron dos demos antes de cambiar a los músicos, Valter Strappolini (batería) y Roberto Pizzi (bajo) entrando a la banda en este punto. Su nuevo sonido agregó una fuerte influencia E.L.P. con teclados prominentes.

Nucleus - Elastic Rock (1970)

Hoy vamos de historia y aquí les traigo un Disco de una Banda de Gran Bretaña llamada Nucleus y el disco Elastic Rock, Nucleus fue un grupo de jazz rock británico, que permaneció activo entre 1969 y 1989. Fue fundada por el trompetista, profesor y escritor Ian Carr, el único miembro constante, una vez que se deshizo su asociación con Don Rendell. La formación original (hasta Solar Plexus) contaba además de con Carr, con el tecladista y oboísta Karl Jenkins, el saxofonista y flautista Brian Smith, el guitarrista Chris Spedding, el bajista Jeff Clyne y el baterista John Marshall. Con esta formación, y en su primer año de vida, Nucleus obtuvo el primer premio del Montreux Jazz Festival de 1969 y publicó el álbum Elastic Rock (que consiguió posicionarse en el puesto nº 46 de los charts británicos), además de actuar en el Newport Jazz Festival y en el Village Gate de Nueva York. Este trabajo sería lanzado en marzo de ese mismo año 1970, cuya cubierta seria diseñada por el artista Roger Dean y su contenido bien recibido por los críticos de jazz de la época, considerado como un trabajo pionero para la época de fusión entre el jazz y el rock.

’Elastic Rock’’ es un disco de jazz moderno, por ser lanzado en 1970 tiene toda una impronta rockera y peculiar, la banda es una estricta banda de jazz que supo incursionar eficazmente en los terrenos del fusión, con cierta similitud a trabajos de Miles Davis de la misma época. Desarrollan un jazz estrictamente instrumental, bastante soft pese a incluir guitarra que acerca el sonido al fusión.

Latte Miele - Aquile e Scoiattoli (1976)

Bueno me engancho el progresivo Italiano, otra vez es que es impresionante como se reencuentra uno con estos discos y te traen a la memoria otros baladas de grupos, recuerdos de viajes, reuniones, tranquilidad... Aquí les traigo una banda favorita Latte Miele, con su Disco Aquile e Scoiattolli, que después de más de dos años de silencio a 33 rpm y dos sencillos no tan memorables, vuelven al juego con un Lp con un sabor extraño. Dos tercios de la formación original ya no están allí (el único sobreviviente es Alfio Vitanza ). 

El nuevo estilo de L&M parece, por lo tanto, no querer renunciar al progreso , pero al mismo tiempo parece claramente orientado a capturar a una nueva generación de oyentes , como es lógico, La leche y la miel se cortejarán con todos sus singles desde el 78 hasta el 80 (desde " Estoy volando contigo " a " Metrò "). Sin embargo, a pesar de la ausencia total de la espontaneidad que caracterizó a los dos primeros LP, " Aquile e squiattoli " sigue siendo el mérito de una profesionalidad incuestionable. 

Fondeira - Re enter (2006)

He estado conversando con otro hermano musical, Wolfgang Wagner, el cual también como me decía, ya no hay aminoacidos en sus corriente sanguíneo, sino una infinita gama de notas musicales que dan vida cada día a nuestro ser, y hablábamos de Jazz, Progresivo Italiano y para ir uniendo estas dos historias musicales me imagino en  Estados Unidos, alrededor de 1950 algunos músicos, instrumentistas muy hábiles, se encontraron en los clubes dando vida a sesiones improvisadas cuyas únicas reglas eran: improvisación absoluta y libertad de cualquier esquema. De esta manera, se formaron caminos instrumentales impredecibles, irrepetibles y tremendamente vivos de una manera fascinante entre nubes de humo y vasos tintineantes. Era Jazz libre. Desde entonces, la música ha dado grandes pasos para explorar géneros, inventar la instrumentación y cambiar su lenguaje en paralelo con el de la sociedad, pero encontramos la misma actitud de los músicos de jazz de la época en los personajes eclécticos que se convirtieron en parte del proyecto Fondeira. Y quiero presentarle a mi amigo y a ustedes también este Grupo Italiano Prog-Eclectico, el cual les traigo su segundo Lp llamado "Re->>enter"

Magnus Öström - Thread Of Life (2011)

Que Esbjörn Svensson ha sido uno de los músicos más revolucionarios de los últimos años no lo duda nadie. Que e.s.t. erá más que Esbjörn Svensson tampoco. El contrabajista Dan Berglund ya dio serias pistas de ello en el disco debut de su nuevo grupo Tonbruket, pero la aseveración del batería Magnus Öström a través de este Thread Of Life es rotunda, demoledora, aplastante.Ya había avisado Stuart Nicholson, crítico británico de la revista Jazzwise, que nos encontrábamos ante un serio candidato a disco del año. Más allá de afianzar su personal estilo baterístico, Öström se descubre como un excelente compositor, productor y, en definitiva, creador de amplio espectro. En condiciones de contar con todo un all star de músicos, ha elegido configurar un grupo estable y añadir solamente dos estrellas (Pat Metheny y su ex compañero Berglund) para rendir tributo, en un tema, al difunto pianista.

Las similitudes de Thread Of Life con la música de e.s.t. son más que evidentes, pero este proyecto tiene personalidad y sigue un camino propio. No es casualidad que Öström incorpore una guitarra, la de Andreas Hourdakis, con distorsión y wah-wah, haciendo las veces del contrabajo de Dan Berglund en e.s.t.; como no es casualidad que el bajo, en este caso a cargo de Thobias Gabrielson, calle en varios pasajes mientras el piano y un bombo sutil cubren su función. La estructura y el contorno dinámico de algunas piezas también recuerdan a la discografía de la extinta banda sueca, dando crédito a Öström sobre gran parte de su legado. El CD ofrece una estructura dividida en dos partes, una primera (temas 1 al 5) cargada de intensidad melódica y rítmica y una segunda (cortes 7 a 10) más estática y de desarrollos más lentos, a modo de epílogo. Entre medias, “Ballad For E”, el tributo a su amigo Esbjörn.

Andrew Cyrille, Wadada Leo Smith, Bill Frisell - Lebroba (2018)

Y seguimos con algunas joyas del inigualable sello ECM , y esta vez para presentarles este hermoso álbum del veterano (y venerado) Andrew Cyrille en batería y percusión, junto a Wadada Leo Smith en trompeta y Bill Frisell en guitarra. Pero en este trío Cyrille abrió paso por los caminos donde se desarrolla del álbum, Lebroba, como una síntesis de los sonidos de los lugares de nacimiento de los creadores de esta música que abarca desde todos los matices del jazz hasta la música de África Occidental junto con tonos del blues.

A pesar de que comparten numerosas raíces, Andrew Cyrille y Wadada Leo Smith no han coincidido en el estudio en demasiadas ocasiones. Ambos pertenecen a la misma generación, aunque Cyrille comenzó su carrera un poco antes en ámbitos de un jazz más ortodoxo, y para finales de los sesenta los dos estaban entre los más destacados jóvenes improvisadores en la escena del free jazz: Cyrille al abrigo de Cecil Taylor y Smith al de Anthony Braxton. 

Argent - Counterpoints (1975)

Desempolvando mi Archivo de Discos, me reencontre con este LP de esta Banda Británica de Rock llamada Argent, Este fue el segundo álbum de estudio grabado sin el miembro fundador Russ Ballard. John Verity intervino para llenar los zapatos de Ballard con el álbum anterior Circus (por recomendación de Ballard) después de que la banda de Verity apoyara a Argent en la gira de 1974. Phil Collins tocaba la batería y la percusión mientras Robert Henrit estaba enfermo.

Argent parece ser una banda tristemente subestimada en los círculos de rock progresivo. Es cierto que los primeros dos o tres álbumes son algo deslucidos incluso por mis estándares, pero casi todos los álbumes contienen una o unas pocas gemas progresivas. "In deep" ciertamente lo hacen y "Nexus es el primero de los álbumes de Argent, como lo veo, que apunta al mercado del rock progresivo. La banda llega a lo más alto con" Circus ", que es, con mucho, su sonido más avanzado y progresivo. álbum. Luego lanzaron "Counterpoints".

Fredric Brown - Ven y Enloquece

En El Ratón Estelar (lo tenemos aqui en la Hora del Rito), ofrecimos quince de los mejores relatos de Fredric Brown, el autor de ciencia ficción que mayor dominio ha alcanzado en el peculiar y difícil arte del relato supercorto.La presente antología incluye doce relatos y una novela corta (Ven y enloquece, una de las más famosas narraciones de Brown), y, junto con El ratón estelar, constituye una muestra amplia y representativa de la producción de este escritor singular a lo largo de más de veinte años de fecunda actividad creadora.

Excelente autor de misterio a la vez que de ciencia ficción (obtuvo el codiciado Premio Edgar Allan Poe, otorgado por la Asociación de Escritores de Misterio de América), sus narraciones más largas (o menos cortas) no sólo son virtuosísimas exhibiciones de originalidad e inventiva, sino también pequeñas obras maestras en el difícil arte de captar irresistiblemente la atención del lector. Pero aunque Brown no hubiera escrito más que sus célebres -y celebradas- «SS»(Super-Short Stories, relatos supercortos), se habría ganado un lugar muy especial y muy alto en el campo de la ciencia ficción, y merecería más difusión en castellano de la que ha tenido. Pues probablemente sea Brown el único «gran maestro» de la edad de oro de la ciencia ficción que sigue siendo casi desconocido entre nosotros (a nivel de gran público, se entiende; el lector adicto le conoce bien). 

Jon Anderson - Olias of Sunhillow (1976)

En estos dias hablaba con mi amigo José Mayorga de Jon Anderson y su ultimo disco y nos recordamos de Olias, este fue el primer disco en solitario del vocalista de Yes, Olias of Sunhillow (1976), posee una fuerza evocativa y un despliegue de imaginación tales que hacen de Anderon una especie de J. R. R. Tolkien musical. (Y no es para menos, es mas tiene su propio anillo en el Disco "The Promise Ring (1997) lo puedes ver en la portada). Sigamos con Olias, este álbum de rock de progresivo conceptual describe toda una epopeya fantástica, la de Olias, constructor de un aparato volador (el Moorglade Mover) con el que realizará un largo viaje para intentar salvar su mundo. Todo esto viene narrado en unas laminas en el interior del disco, alucinante con ilustraciones inspiradas en el buen estilo de Roger Dean, haciendo de la funda del LP una especie de cuento de un par de paginas.

Frank Zappa - Hot Rats (1969)

Otro mas que cumplio 50 ruedas...
Frank Zappa - Hot Rats
1969

Y es que Hot Rats es a menudo elogiado como el brillante logro de Frank Zappa, y no puedo decir que no esté de acuerdo con esa afirmación. Si bien creo que algunos de sus otros álbumes son iguales a la alta calidad mostrada a lo largo de este álbum, este es sin duda uno de los aspectos más destacados de su brillante discografía. Pasaron doce años para descubrir esta joya y hasta el sol de hoy sigo disfrutando de este disco. Pero que lo hace tan peculiar? Este es su primer album como solista, ademas muestra un alejamiento de la música rock psicodélica / experimental de influencia vanguardista que Frank Zappa había tocado en esta época. Este álbum deja atrás la mayor parte de la experimentación, y Zappa va por hacer un álbum de jazz-rock puro. El resultado es una obra de arte casi completamente impecable, llena de excelentes solos y ritmos geniales. Este álbum está dominado en su mayoría por Sonidos de Ian Underwood y la guitarra de Frank Zappa. Si bien muchas personas tienden a criticar este álbum por estar "simplemente improvisando", estoy totalmente en desacuerdo. Creo que el álbum está lleno de solos de buen gusto que siempre son divertidos y cautivadores. Supongo que al final solo es cuestión de gustos.

Tord Gustavsen Trio - The Other Side (2018)

Vamos a seguir con la maquinaria ECM, aqui tenemos a un Trio de  excelentes musicos comandados por el Noruego Tord Gustavsen, generando sonidos profundamente conmovedores a través de una estrecha interacción, el Tord Gustavsen Trio, inactivo desde 2007, nos lleva a The Other Side con asombrosos nuevos originales y admirables interpretaciones de canciones tradicionales y piezas clásicas, incluyendo tres de JS Bach. El pianista y compositor noruego toca junto a su baterista de larga data Jarle Vespestad y al nuevo bajista Sigurd Hole, dos excelentes acompañantes que le brindan todo el sustento rítmico y la encantadora textura que necesita para hacer de este uno de los lanzamientos más gratificantes de su carrera.

John Surman - Invisible Threads (2018)

Invisible Threads es un álbum del saxofonista y compositor inglés John Surman, grabado en Noruega en 2017 y publicado en el sello ECM al año siguiente. El saxofonista y clarinetista John Surman a menudo se caracteriza por ser un improvisador y compositor inglés por excelencia, y los toques de la música popular y el ambiente pastoral son atributos de su música en álbumes muy queridos como "The Road to Saint Ives" o "Saltash Bells". También tiene una larga historia de trabajo con músicos de otros países y culturas, jugadores unidos por hilos tan invisibles como un sentimiento compartido de melodía que trasciende los modismos. John Surman conoció al pianista Nelson Ayres, conocido por los aficionados al jazz brasileño por su trabajo con Airto Moreira, Milton Nascimento y Banda Pau Brasil, mientras estaba de gira por Sudamérica. En Oslo, Surman llegó a conocer y apreciar la interpretación de Rob Waring, vibrafonista estadounidense expatriado (recientemente escuchado en ECM con Mats Eilertsen). Los tres músicos se reúnen para tocar un nuevo programa de originales de Surman, además de "Summer Song" de Nelson Ayres, en una sesión grabada en el estudio Rainbow de Oslo en julio de 2017, producida por Manfred Eicher.

Marcin Wasilewski Trio - Live (2018)

Con tan sólo 15 años, en 1990, el pianista Marcin Wasilewski conoce al bajista Slawomir Kurkiewicz, ambos estudiantes en el conservatorio de Koszalin. Tres años más tarde, y tras haber ganado ya algún premio junior, se completa el trío polaco con la llegada del baterísta Michal Miskiewicz.  Desde entonces, gracias a su colaboración con Tomasz Stanko y a su ingreso en ECM, la carrera y el prestigio del trío no ha dejado de crecer. Acaban de publicar Live,  un concierto grabado en Bélgica dedicado a su mentor recientemente fallecido. Repasamos en esta entrada toda su discografía en el sello alemán. 

Grabado en vivo en Middleheim, Bélgica, allá por el mes de agosto de 2016; editado un mes después de la muerte de Tomasz Stanko, ocurrida en julio de 2018, uno de los más emblemáticos músicos de la escena del jazz europeo, consiste en una selección retrospectiva de repertorio que coincide estrechamente con el paso del legendario trompetista y compositor polaco.

Anuoar Brahem - Maqams (2018)

Sabes lo maravilloso que es el sonido del Laúd...

El laúd árabe o od es un instrumento de cuerda pulsada con 11 o 12 cuerdas agrupadas 5 o 6 órdenes, fabricado en madera de caja de resonancia redondeada con forma de pera, un mástil más corto y que carece de trastes. El laúd fue el instrumento de cuerda pulsada más extendido. Hoy te traigo a un músico que hace maravillas con él se llama Anouar Brahem (Túnez) y así vamos incorporando nuestros archivos históricos y los dejamos ahora en nuestra nueva nube musical...

La delicadeza es el pilar más fuerte de la música de Anouar Brahem (Medina de Túnez, 1957). El sutil timbre de su laúd árabe requiere que los demás instrumentos que le acompañan sean igual de discretos. De ahí que los otros tres músicos (y mira que excelentes músicos) que le acompañan en Blue Maqams, su nuevo disco, los haya escogido precisamente porque encontró esa cualidad en ellos.

Lars Danielsson & Paolo Fresu / Summerwind (2018)

Es maravilloso poder contar con la colaboracion de un Hermano Musical al cual estoy profundamente agradecido de ser su amigo y compartir estos grandes momentos de arte que hacen de la Hora del Rito un lugar especial, de la mano de mi colaborardor Jose "Relayer" Mayorga,  me llega un disco de Lars Danielsson un bajista , compositor y productor sueco de jazz .

Y de donde salio este personaje, bueno Danielsson nació en Smålandsstenar y se educó en el conservatorio de música de Gotemburgo . Toca contrabajo y violonchelo . En 1985, formó un cuarteto con el saxofonista Dave Liebman , el pianista Bobo Stenson y el baterista Jon Christensen (unos duros que viene  de un Sello el cual soy fanatico y les estare dando mucho material de ahi, es ECM) que a veces usaba el nombre de Danielsson, produciendo varios álbumes. También trabajó con grandes bandas. Tocó y grabó, entre otros, con John Scofield , Jack De Johnette , Mike Stern , Billy Hart , Charles Lloyd , Terri Lyne Carrington , Leszek Możdżer , Joey Calderazzo , Gino Vannelli y Dave Kikoski . Desde 1980, ha lanzado ocho álbumes en solitario con el Cuarteto Lars Danielssons . En estos albumes, Alex Acuña , John Abercrombie , Bill Evans , Kenny Wheeler , Rick Margitza y Niels Lan Doky fueron presentados.

El Raton Estelar - Frederic Brown

Por alla por los años 80, uno tenia la libertad y la dicha de poder caminar y disfrutar de las calles de Caracas, poder adquirir unos buenos discos o libros, o ambos. Y poder detenerse a degustar una buena cerveza, acompañado de cualquier otra delicatesse, y poder disfrutar de los tesoros conquistados en ese viaje. Uno de estos tesoros los comparto aqui para ustedes en esta Hora del Rito, se trata de un libro de Ciencia Ficcion de unos de los escritores de ciencia ficción y misterio, más conocido por sus cuentos caracterizados por grandes dosis de humor y finales sorprendentes. Es también conocido por ser uno de los escritores más audaces a la hora de hacer experimentaciones narrativas en ficción de género. Aunque no fue un escritor especialmente popular en vida, la obra de este señor ha generado un considerable culto que continúa medio siglo después de que realizara su último escrito. Sus obras se reimprimen periódicamente y tiene varias páginas de fans en Internet tanto en EE. UU. como en Europa, en donde se han hecho varias adaptaciones de sus escritos.Se trata de Frederic Brown.

Klaus Schulze - Moondawn (1976)

En mi primera prueba de mi Blog, pensando con que pieza podria empezar y no pude dejar a un lado al Vampiro de Berlin, ese que fue mi compañero en muchas noches de estudio, concentracion y creacion de mis trabajos de programación, este disco en particular es el de Klaus Schulze titulado "Moondawn", un intérprete y compositor alemán de música electrónica el cual también utilizaba el pseudónimo de Richard Wahnfried. Fue durante un breve periodo de tiempo miembro de bandas de música electrónica como Tangerine Dream o Ash Ra Tempel antes de iniciar una carrera en solitario que consta de más de 50 álbumes y que abarca cinco décadas, Que Loco!!!