Adios y Gracias Vangelis (1943 - 2022)

Evángelos Odysséas Papathanassíou, más conocido como Vangelis dejo este plano el por complicaciones derivadas del Covid-19, dejando un legado musical increíble. Desde muy joven cultivó la exploración sonora y las nuevas tecnologías vinculadas, de modo que se forjó en el mundillo musical griego una buena reputación como teclista electrónico, situándose en la vanguardia musical de la época, se convirtió a principios de los años 60 con su grupo Formynx en uno de los primeros músicos griegos en hacer rock. Y fue conocido por tocar en un trio en los años 69 llamado "Aphrodite's Child" junto a Demis Roussos y Loukas Sideras. Ahí comienza el viaje de este gran musico griego el cual con excelentes amigos pudo crear y hacerse un nombre en la Música.

Digamos que su música se caracteriza por el uso de sintetizadores y, ocasionalmente, instrumentos acústicos para crear atmósferas de sonido envolvente, en un tono generalmente grandioso y solemne. Pero no es sencillo enmarcar sus composiciones dentro de un género en concreto, aunque es habitual que se le incluya entre las filas de las llamadas "nuevas músicas" o, más ampliamente, como músico clásico contemporáneo. La diversidad y complejidad de su discografía hace difícil su catalogación, además sus trabajos fueron conocidos gracias al cine y la televisión, quien no se acuerda de un programa favorito solo por el soundtrack que tenia. Acompáñenme en este homenaje...

Adios y Gracias Schulze (1947 - 2022)

El 26 de abril del 2022, es un día de luto para la música, un grande de la electrónica dejo este plano, conocido también como Richard Wahnfried, fue musico y compositor alemán. Miembro fundador de Tangerine Dream, Ash Ra Temple y Cosmic Jokers, estaba claro al terminar su primer trabajo para lanzarse en solitario en su carrera y para mi como el pionero de la música electrónica, fundador de la "Escuela de Berlin" este genio deja un trabajo el cual consta de mas de 60 álbumes, a lo largo de sus 5 décadas de trabajo, discos como "Moondawn", "TimeWind", "Cyborg", "Dune", "Dig It", además de excelentes colaboraciones, en diciembre del año pasado, el compositor de cine ganador de un Oscar, por su trabajo en la Película "Dune" Hans Zimmer donde Klaus colaboró, elogiándolo de esta manera: "La música de Klaus Schulze nunca ha sido más relevante que ahora. Más que nunca, su trabajo es el equilibrio perfecto entre el alma y la tecnología. Los electrones como embajadores de romance. Un maestro." Él mismo Schulze usó mucho antes ésa célebre novela para algunas de sus producciones, sin saber que era como su último álbum 'Deus Arrakis', que se lanzará de forma póstuma el próximo mes de junio.

Su alter-ego como Richard Wahnfried, con invitados en sus discos de la talla de Michael Shrieve, Manuel Gottsching, Carlos Santana, sus dúos con Rainer Bloss... Por no hablar de su mística conexión con la cantante Lisa Gerrard (Dead Can Dance) ya en los últimos tiempos de este siglo. Tiempos siempre favorables, innovadores y de búsqueda,  sin perder el hilo investigador : "Das Wagner Desaster  - Live" (1994), "In Blue" (1995) -con Göttsching-, "Are You Sequenced?" (1996), "The Crime of Suspense" (2000), "Moonlake" (2005), "Kontinuum" (2007). No por nada fue designado como el primer musico para hacer mi primer post en esta hora ritual.  Acompáñenme en este humilde homenaje.

MAHAVISHNU ORCHESTRA - Visions Of The Emerald Beyond (1975)

Saludos mis queridos audionautas, despues de la pascua vamos con los pesos pesados y hoy les traigo una banda aclamada como la banda clave del movimiento de fusión jazz-rock, Mahavishnu Orchestra fue posiblemente la más influyente y, sin duda, una de las mejores bandas de jazz fusión de todos los tiempos. Fue mi primera experiencia con el Gran Maestro John McLaughlin, y eso fue una explosión cerebral, Mahavishnu Orchestra era un grupo muy poderoso, con las improvisaciones sofisticadas del free-jazz eléctrico y en ese tiempo ya estaba oyendo a Miles Davis y de ahí viene la conexión con John, este señor se hizo un nombre mientras trabajaba con el famoso trompetista Miles Davis durante sus primeras exploraciones en la instrumentación eléctrica, que fueron los primeros pasos en el ámbito del jazz-rock a finales de los 60. Al igual que Return to Forever y Weather Report , Mahavishnu Orchestra tenía la intención de seguir explorando el híbrido jazz-rock que había explorado Miles Davis y de que manera...

Más de una decena de renombrados personajes pasarían por las filas de esta emblemática agrupación a todo lo largo de su fascinante historia. Mahavishnu Orchestra tuvo tres etapas a lo largo de su existencia. La primera de ellas entre 1971 y 1974 con músicos como Jim Beard, Stu Goldberg y Mitchel Forman, luego la etapa 1974-1976 con un mayor número de músicos que incluían la voz y teclas de Gayle Moran, Jean-Luc Ponty al violín, Ralphe Armstrong al bajo, Narada Michael Walden en la percusión, Marcia Westbrook en la viola, Steven Kindler y Carol Shive también en los violines, Phil Hirschi en el cello y una sección de metales conformada por Steve Frankevich y Bob Knapp, amigos que gran pool de músicos. Esta numerosa versión sería, en palabras de John McLaughlin, la verdadera Mahavishnu Orchestra y han pasado 47 años y sigue imparable así que vamos a comentarla...

Naxatras - Naxatras (2015)

Y seguimos en la onda retro y hoy vamos a escuchar una banda que nos compartió una muy querida audionauta asidua al ritual y es una Banda Griega llamada "Naxatras". Es parte de esas bandas que se inspiran en las raíces de la música , donde todo empezó, si bien la atmósfera puede recordar a bastiones del rock clásico como Cream, Led Zeppelin o al gran Hendrix, nacen con esta voluntad de traer de vuelta la música psicodélica a sus cimientos, ritmos primarios, encantamientos de espíritus y vibraciones chamánicas. Vamos a escuchar su primer LP que es algo que tendrás que experimentar . Hay algo liberador en sus canciones, mientras las escuchaba tenía la sensación de que tenían un gran control de lo que tocaban, controlaban tan fácilmente que podían dejar que la música suene sin empujarla bruscamente a otro lugar, las notas flotaban . , mostrando el flujo y tu alma simplemente lo seguías! ¿Música trance?

"Naxatras" nos ofrece un rifforama vintage puro que en las escuchas posteriores se expande en algo más exótico que la tarifa habitual de asentir con la cabeza. Hay fuertes guiños a Amon Duul 2, la voz de John Vagenas suena a Chris Karrer, por ejemplo, la reverberación empapada de proclamas de ansiedad cósmica/querer cargarse en “Sun is Burning”. Acompáñenme.

Gong - Expresso II (1978)

Hoy vamos a hablar de los hermanos Moerlen’s para cerrar este mes de Marzo, Benoit Moerlen estudió el vibráfono en el Conservatorio de Estrasburgo , donde su hermano mayor, Pierre Moerlen , también había estudiado percusión, este estudió piano de 1963 a 1967 con su padre, el famoso organista Maurice Moerlen. En 1967 dejó sus estudios para dedicarse al aprendizaje de percusión clásica y batería en ese conservatorio. Benoit en 1974 graba por primera vez con Gong, la banda en la que ya militaba su hermano Pierre, en el disco You, la tercera parte de la trilogía Radio Gnome Invisible, con la que Daevid Allen se despedía de la banda que había fundado. En 1976 Benoît se une oficialmente a Gong, ya bajo el liderazgo de su hermano, fruto del cual al año siguiente el nombre se cambiará a Pierre Moerlen’s Gong. Benoît participó en los discos Gazeuose!, Expresso II y Downwind, en todos ellos tocando sobre todo instrumentos de láminas, de gran protagonismo, mientras su hermano mayor era el líder.

Este disco me llama la atención porque incluso si Gong tiene su propio sonido típico y sus complejidades, sonaban como "simplemente otro grupo de jazz-rock/fusión" y, por lo tanto, estaban perdiendo mucho interés de muchos, y a la luz de este álbum, diría que esto fue un poco injusto, este álbum además tiene buenos músicos como Allan Holdsworth, Darryl Way reconocidos ya en el plano musical dando a este un brillo excepcional. Si te gustan los discos de percusión y que se asemejan a la energía y la melodía de EXPRESSO II son los álbumes de Gary Burton de mediados de la década de 1970 en el sello ECM (particularmente THE NEW QUARTET, PASSENGERS y RING) así que sigamos disfrutando...

Papir - 7 (2022)

Hoy nos vamos en un viaje eléctrico, para este ritual traemos a una Banda Danesa que pasó por varios cambios de nombre hasta que decidieron usar el nombre “Papir”. Su primer álbum fue lanzado en 2010. Están produciendo música única. Si lo tuyo son los poderosos riffs hendrixianos, la percusión feroz y el bajo deslumbrante, entonces no busques más. Aquí tenéis una banda, que realmente es una combinación de rock espacial y “krautrock” (Neu!, Ash Ra Tempel).

Papir es un trío joven de Copenhague, Dinamarca, que ha tocado juntos durante años bajo varios nombres mientras, de forma lenta pero segura, perfecciona su marca única de rock psicodélico semi-improvisado. Basado en la compleja y poderosa percusión de Christoffer Brøchmann, Papir crea viajes instrumentales: estructuras orgánicas de sonido que avanzan con el ritmo hipnótico de Can o el eléctrico Miles Davis a través de picos eufóricos, riffs estruendosos y hermosos escapes cósmicos. La forma de tocar la guitarra de Nicklas Sørensens muestra su amor por el rock psicodélico de las décadas de 1960 y 1970, pero también tiene un aspecto muy melódico que revela su admiración por los héroes alemanes Michael Rother y Manuel Göttsching. Acompáñenme..

Phronesis - Green Delay (2009)

Que tal mis queridos audionautas, gracias al blog los rituales aumentan y sirven para traer mas material, hoy les traigo un ingrediente utilizado por uno de nuestros seguidores, el cual me engancho en la primera escucha, al igual por su nombre. Saben lo que es "Frónesis" - En la Ética a Nicómaco, de Aristóteles, la frónesis (del griego: Φρόνησις, phronēsis) es la virtud del pensamiento moral, normalmente traducida como 'sabiduría práctica', a veces también como 'prudencia' (en cierto sentido se contrapone a la hibris o ‘desmesura’). Es más específicamente una forma de sabiduría relevante a las cosas prácticas, requiriendo una habilidad para discernir cómo o por qué actuar virtuosamente y fomentar la virtud en la práctica y la excelencia del carácter. Frónesis era un tópico común de discusión en la antigua filosofía griega. Ahora bien esto también es Phronesis, es el nombre del trío liderado por el bajista Jasper Hoiby, un músico danés ahora afincado en Londres que se está convirtiendo en una figura cada vez más importante en la escena jazzística británica. Combinando lirismo con ganchos y ritmos melódicos, esta banda a veces recordaba a EST en términos de accesibilidad, pero las habilidades de liderazgo y composición de Hoiby le permitieron poner su propio sello distintivo en la música..

Aquí traemos el disco “Green Delay” muestra claros signos de desarrollo con composiciones más largas y ambiciosas. El paquete del CD contiene una dedicatoria simple pero conmovedora a Jeanette, la hermana discapacitada de Hoiby, quien recientemente perdió la vista como resultado de una larga enfermedad. “Hermana, ahora que tus ojos han dejado de funcionar aquí hay algo para tus oídos” promete Hoiby pero todos los oídos que llegan a escuchar esta música pueden considerarse privilegiados, acompáñenme a disfrutar de este trio

Wynton Kelly - It´s All Right (1964)

Saludos mis queridos audionautas, hoy les traemos un clásico para disfrutar en cualquier hora ritual, ya sea de viaje, en la cola de la hora pico, trabajando, festejando un Cumpleaños como el de mi primo Oswaldo Cordero o Carlos Johansson, o como quieras estar, porque ¡Todo está bien!, y es un trabajo del pianista de jazz Wynton Kelly lanzado por el sello Verve con Estrellas como Kenny Burrell y Candido Camero aparecen como invitados en algunas canciones, pero el trío regular con Paul Chambers y Jimmy Cobb es la fuerza principal detrás de estas grabaciones. La espléndida sección rítmica del Miles Davis Quintet del 59 al 61 se escucha aquí en plena forma.

Estos discos que hizo para Verve lo mostraban tocando junto a cuerdas y metales. La música todavía tenía sabor a jazz, pero ciertamente más cercana al jazz fácil de escuchar que al hard bop directo que tocaba en sus discos de Riverside. Los álbumes del Sello Verve tuvieron mucho éxito y comenzó a abrirse paso entre los principales compradores de discos pop. It's All Right, que presenta una excelente y cursi portada de álbum de arte pop nos regalaba entonces unas de las mejores secciones rítmicas en la historia del jazz, acompáñenme entonces...

Philip Catherine, Paulo Morello, Sven Faller – Pourquoi (2022)

Hoy traemos un disco de un musico ya conocido en nuestro blog, del maestro de la guitarra belga Philip Catherine con su compañero guitarrista Paulo Morello y el bajista Sven Faller, es bastante sencillo y, sin embargo, hay mucha trascendencia en la sensación del disco, que está encabezado por la pieza de Catherine 'Pourquoi'. Philip Catherine y Paulo Morello se conocieron y se juntaron en el 2010 en el Festival de Jazz de Burghausen. En 2017, los dos virtuosos de la guitarra y el bajista Sven Faller fundaron un trío tan íntimo como maravilloso. La primera gira fue un éxito rotundo y demostró que la química de la banda estaba perfectamente equilibrada.

"Pourquoi" es una composición de Philip Catherine que da su nombre al segundo encuentro en el estudio junto a Paul Morello y Sven Faller. Un "Pourquoi" que, sí, has leído bien, lo está haciendo bastante bien sin el signo de interrogación, un juego de palabras y títulos a través del cual el decano de la guitarra de jazz Philip Catherine se presenta como un bromista ingenioso y un bromista. en la vida y en el escenario; una leyenda del jazz viva, joven de corazón, que cumplirá en Octubre ochenta años ; un gran músico, apreciado como un héroe nacional en Bélgica, el pequeño país con la gran escena del jazz.

Karfagen - Land of Green and Gold (2022)

Para el dia de hoy como lo prometimos treamos un Grupo Ucraniano de Rock Progresivo Sinfónico llamado Karfagen el cual lanzó el pasado 7 de enero su álbum de estudio número 14 que lleva por título “Land of Green and Gold” bajo el sello Caerllysi Music. Desde 2006 hasta la actualidad ha publicado 13 discos y varios EP y recopilatorios, convirtiéndose en uno de los realitys más prolíficos y apreciados del Prog moderno.

Karfagen es una creación del músico y compositor Antony Kalugin. El nombre se usó por primera vez en 1997, cuando Antony formó una banda en la escuela. Karfagen es principalmente una banda instrumental que muestra un uso imaginativo de teclados y guitarras, instrumentos clásicos y étnicos. Su estilo se puede describir como Art Rock Sinfónico con un toque de New Age, Folk, Jazz Rock y Neo Prog. Además de música imaginativa, cada portada de sus álbumes, son pintorescas y carismáticas en la tradición de la era del Rock Progresivo Clásico, acompáñenme a disfrutar de esta joya...

E.S.T. (Esbjörn Svensson Trío) - Seven Days of Falling (2003)

Aprovechando el asueto carnavalesco, aquí les traigo un post que traigo a mi blog para actualizarlo de un blog al cual pertenecía, este trabajo el cual es el séptimo trabajo discográfico del trío del pianista sueco Esbjörn Svensson (comercialmente E.S.T.) el cual nos dejo hace ya 14 años y el cual en este trabajo (uno de mis preferidos) se suponía que estaban en la confirmación de un camino estético propio. Un sonido atmosférico reconocible que gusta del rock y que parece seguir bajo los efectos de la visión de la tierra desde el espacio de Yuri Gagarin. La electrónica se va incorporando a la música del trío haciéndola de manera sutil y medida. Pequeñas distorsiones para unas composiciones que gustan del concepto "in crescendo" hacia el clímax y de baladas tintineantes.

Aunque lejos de virtuosismos, la mano derecha de Svensson destaca por su tremenda agilidad. Sus compañeros son a su vez excelentes músicos con voz propia. El contrabajo guitarrero de Berglund o la batería percusiva de Öström proporcionan parte fundamental del sonido E.S.T. "Seven days of falling" no supone mayores novedades en el discurrir del trío sueco aunque sí depara una curiosidad. La última pista del cd contiene una canción "fantasma" con la voz de Josh Haden, hijo del genial contrabajista Charlie Haden.

EnInE - Spiritus Natura (2021)

Para colocarnos en contexto global, y aprovechando este fin de semana de Fiestas Carnestolendas, hoy traemos una Banda Rusa la cual tiene como nombre un palíndromo "EnInE", fue fundado en 2016 por dos ex miembros del grupo ALGABAS : Vladimir MIKHAILOV (guitarras) e Ilya FROLOV (teclados). Más tarde, otros dos Vladimires - Vladimir NIKONOV (batería) y Vladimir KOSYGIN (bajo, voces), después de que Stas TREGUBOV (flauta, djembe) se uniera al combo, ellos lanzaron su primer álbum de estudio llamado "The Great Silent" en febrero de 2018.

El nuevo álbum de EnInE 'Spiritus Natura' viene como un híbrido de psicodélico y Art Rock. Un ejercicio progresivo espléndido, las composiciones y el flujo son sobresalientes. Y, si bien provienen de la espaciosa Federación Rusa, esto también está profundamente arraigado en los campos étnicos nativos. Eso significa cosechado con un poco de canto chamánico de garganta, por ejemplo, y otras golosinas, esto en conjunto ofrece una atmósfera bastante única. Vladimir Mikhaylov (guitarras) e Ilya Frolov (teclados) están moviendo los hilos, cuando se trata de esta banda, por lo que puedo escuchar, Enine es un equipo enfocado progresivamente que se inspira en una serie de influencias que podrías esperar: Marillion, Floyd, Genesis, Klaus Schulze y similares, mientras infunde algo mucho más contemporáneo en la mezcla.

Ralph Towner John Abercrombie - Five Years Later (1982)

Hola mis queridos audionautas, para hoy les traigo una verdadera colaboración colectiva en la que ambos participantes están subordinados tanto a la música como entre ellos, esta es una música que habla en un nivel emocional. Si lo que busca es pirotecnia de alto octanaje, no la encontrará aquí, ni encontrará música ambiental nocturna. Lo que descubrirá en este conjunto atractivo es una creación musical altamente desarrollada e inteligente que garantizará y exigirá toda su atención.

Estamos hablando de dos monstruos de la guitarra como lo son Ralph Towner y John Abercrombie. Cuando Towner y Abercrombie grabaron Sargasso Sea en la primavera de 1976, ya eran amigos desde hacía varios años, cinco años después, hicieron este disco a través del sello ECM, en donde uno puede distinguir fácilmente a los dos guitarristas, ya que Abercrombie toca principalmente la eléctrica y tiene un sonido más contundente, mientras que los solos de Towner suelen ser más introvertidos. Interpretan tres de las canciones de Towner, un par de originales de Abercrombie y tres colaboraciones. Aunque la interacción tiende a ser bastante tranquila, hay mucha pasión sutil. Ya han pasado 40 años desde Five Years Later y ambos guitarristas uno ya fuera de este plano (John) al cual le dedicamos este post y el otro ya superando la marca de los ochenta años, como nos hubiese gustado una tercera entrega... Pero agradecidamente los noventa minutos recopilados de Sargasso Sea y Five Years Later siguen siendo algunos de los mejores, más intuitivos e íntimamente inspirados en la música de guitarra dual de la historia del jazz.

Violeta de Outono - Spaces (2016)

Hoy traemos una banda brasilera con su noveno disco llamado "Spaces" siendo esta su séptima pieza de estudio, desde 1987, han estado lanzando discos fantásticos, uno tras otro. Es un hecho innegable que la banda compone y edita discos a un ritmo muy lento (este es su séptimo disco desde su regreso en 2012), pero por la calidad de los trabajos que editan, la espera es válida. En esta ocasión también hay que tener en cuenta que Fabio Golfetti ha estado de gira con Gong antes y después de la muerte de Daevid Allen y ahora es miembro oficial de la banda, desde el 2014  ya se le puede ver en los créditos desde el disco "I see you".

'Spaces' viene con el maravilloso sonido de la banda que durante mucho tiempo ha sido influenciado por el Canterbury Sound de bandas como Caravan y Camel. Pero sigue presente su esencia psicodélica del inicio de su carrera que se remonta al Pink Floyd de los primeros discos. 

Ahmad Jamal – Ahmad's Blues (1958)

Para esta oportunidad vamos a disfrutar de un trabajo de Ahmad Jamal grabado originalmente en concierto en The Spotlite Club, en Washington, DC, el 6 de septiembre de 1958. Se presenta el mismo trío fantástico que tuvo ese éxito Top 40 con "Poinciana": Jamal, el bajista Israel Crosby y el baterista Vernel Fournier. Esa canción característica, que se registró durante 108 semanas (entonces sin precedentes para un disco de jazz) le permitió a Jamal la libertad financiera para continuar escalando hacia las una de las pistas mas escuchadas en el siglo XX, mucho después de que muchos de sus contemporáneos post-bop hubieran fallecido. En todo momento, las melodías de “Ahmad's Blues” se aceleran y luego se liberan de las maneras más brillantes. Estos espacios abiertos permiten a Crosby y Fournier agregar florituras orquestales, mientras el pianista se mueve en un movimiento contrario. Los aspectos más destacados incluyen cortes sutilmente halagadores como "It Could Happen to You", "Squatly Roo" y "A Gal in Calico". La melodía del título se remonta a 1948, durante un período inicial de su carrera con un equipo de canto y baile de East St. Louis. Jamal también tenía un sentido del humor que guiña un ojo, comenzando, por ejemplo, "Stompin 'at the Savoy" en este con una cita de "La Marsellaise". Tiene sentido, entonces, que Miles Davis no solo tome prestado del repertorio de Jamal, sino que insista, se dice, en que Red Garland intenta emularlo, otro favorito de Davis. “Ahmad's Blues”, lanzado inicialmente como dos LP, fue combinado en un disco por GRP a principios de la década de 1990.

Bill Evans - From Left to Right (1970)

De nuevo en el blog con un disco maravilloso, con un trio increíble, pero esta vez acompañado de una orquesta, estamos hablando del gran Bill Evans con Eddie Gomez en el Contrabajo, San Brown en la Guitarra y Marty Morrel en la batería, en los arreglos tenemos a Micket Leonard. Pero que hace tan especial este disco, bueno nada mas y nada menos que tenemos al maestro tocando un piano eléctrico Fender Rhodes y un clásico piano Steinway, y usted me dirá y cual es la variedad? nada mas y nada menos que con la izquierda toca el eléctrico y con la derecha el clásico, quieres mas?

El inventor Harold Rhodes rinde homenaje en las notas al dominio de Bill Evans del piano eléctrico. Y Evans cambia hábilmente de tocar eléctrica a acústica y viceversa, a veces dentro de una misma pista. Pero es "The Dolphin" la que personifica esta entrada singular en la célebre discografía de Evans. Este es un disco absolutamente maravilloso de composiciones fabulosas, interpretadas magistralmente por Evans. Su obra para piano eléctrico Rhodes es delicada pero llena de emoción y maestría técnica. Su piano acústico se escucha con igual peso, también y está genial como siempre.

Eberhard Weber - Once Upon A Time (Live in Avignon) (2021)

Bueno, hoy venimos con uno de los favoritos del Blog y excelente musico, se trata del maestro Eberhar Weber y ahora ECM ha excavado en sus bóvedas para ofrecernos "Once Upon A Time". Grabado en concierto en 1994 en Avignon, Francia, el bajista Eberhard Weber ofrece un rico concierto en solitario de la mayoría de sus originales para mostrar la amplia gama de sonidos de su instrumento. Muchas de las veces en este concierto, las cuerdas y armonías de Weber suenan inquietantemente como el laúd del Medio Oriente, con armonías tensas que se tambalean y se tambalean en "Pendulum" y alcanzan tonos altos en el viaje en la pieza "Trio For Bassoon and Bass". En otros momentos, las cuerdas suenan como el didgeridoo de cuerno, pulsando a través de "Delirium" mientras él puntea y hace reverencias y crea rasgueos con eco en una lectura áspera de "My Favourite Things". 

Agraciado, como con la gran mayoría de sus lanzamientos anteriores en ECM, con la portada de su (fallecida) esposa Maja. Once Upon a Time – Live in Avignon presenta grabaciones antiguas en vivo nunca antes escuchadas fuera de los espectáculos en los que fueron grabadas. Pero mientras que esos discos anteriores encontraron a Weber levantando solos de bajo de conciertos con Jan Garbarek y superponiendo teclados para convertirlos en nuevas canciones, Once Upon a Time captura una interpretación de este musico en plano solista.

Pat Martino - Think Tank (2003)

Aquí estamos otra vez, hemos cumplido otra vuelta mas al Sol en nuestra única nave planetaria y seguimos deseándoles un Feliz 2022, y hoy les traemos en homenaje póstumo a un Guitarrista fenomenal, conocido mundialmente ya que volvió a aprender a tocar su instrumento escuchando sus viejos discos después de que un aneurisma cerebral en 1980 le hiciera olvidar todo, una gran Odisea... Hoy les traigo un disco de con lo más cercano a las estrellas del jazz en estos días, con el saxofonista Joe Lovano , el pianista Gonzalo Rubalcaba, el bajista Christian McBride y el baterista Lewis Nash y por supuesto en la guitarra nuestro invitado de hoy Pat Martino, el cual dejo este plano en noviembre pasado, otra perdida mas a sus 77 años.

El disco en cuestión según Martino, se convirtió en una especie de tributo no intencional a John Coltrane, particularmente después de que Martino compuso la canción principal usando un sistema matemático basado en las letras del nombre del saxofonista. Sin embargo, más allá de su construcción académica, es fácilmente el punto culminante del disco, equilibrando los arpegios nerviosos del guitarrista, el exquisito trabajo de Nash y la moderación acalorada de Lovano para capturar efectivamente el espíritu de su tributo llamado "Think Tank".