Yes - Tales from Topographic Oceans (1974)

Tales from Topographic Oceans es el sexto álbum de estudio de la banda inglesa de rock progresivo Yes, publicado el 14 de diciembre de 1973 en el Reino Unido y el 13 de enero del año siguiente en los EE. UU. Es un álbum doble y conceptual con cuatro canciones, todas rondando los veinte minutos. Una maravilla del Rock Progresivo, como dice mi hermano musical Jose Mayorga, no vamos a usar estas etiquetas como "La Octava Maravilla del Progre.." pero si es una obra que hoy cumple 46 años y sigue vigente dentro del genero y es materia obligatoria a escuchar por los seguidores del Progresivo.

Cuarto Disco de Oro de la banda a pesar de ser muy controvertido en la época de su lanzamiento, ya que fue mal recibido por la crítica, calificándolo como uno de los peores excesos del rock progresivo, y sus seguidores reaccionaron con opiniones encontradas entre sí sobre si el trabajo se encuentra o no entre los mejores del grupo. La historia del álbum gira en torno a las escrituras del autor del libro Autobiografía de un Yogui de Paramahansa Yogananda. Las letras de sus canciones constituyen casi todo el rato asociaciones libres que parten de las explicaciones que Yes da sobre los Gurus hindúes. Pero, las letras del álbum en sí poco tienen que ver con los Gurus Hindues y son, más que nada, evocaciones para que el espíritu del que escucha vuele por el universo en un vehículo estético-intelectual. La música de Yes y especialmente la de Tales from Topographic Oceans es una mina no solo para deleitar el oído, sino también para profundizar en la filosofía y liberar la mente. Yes, como queda de manifiesto en este disco, abre puertas y posibilita muchas interpretaciones. Incluso un teólogo protestante llamado Ahyh ha considerado lo expresado por Yes en su música como algo capaz de explicar los temas fundamentales referentes a la divinidad.

La idea inicial para este proyecto se le ocurre a Jon Anderson durante un tour en Japón, mientras leía, en sus momentos de ocio, el libro que le había regalado Jamie Muir, el excéntrico y brillante percusionista de King Crimson, durante el casamiento de Bill Bruford. Bill había decidido irse hacía tiempo. De esta forma, al irse a tocar en la banda de Robert Fripp, el baterista concretaba una ambición musical que hacía tiempo que le quitaba el sueño. Esto se debía al hecho de que Bruford encontraba en Crimson la posibilidad de ahondar su interés por el jazz y la vanguardia, algo que no encajaba con los proyectos de Yes. En resumen, Bruford sentía que ya había dado todo lo que podía a Yes y viceversa, y es aqui donde entra a formar parte de la Banda Alan White, veterano baterista que venía de participar en varios proyectos, tocando como sesionista junto a luminarias como John Lennon, Dave Mason, Eric Clapton y George Harrison.

Camel - Moonmadness (1976)

Camel es una de mis bandas favoritas en esa era mágica del rock progresivo a principios de los 70. Sin duda alguna, fueron una de las bandas más melódicas, sus largas composiciones musicales y pasajes nunca aburridos y que se conectaban entre sí con muy buen gusto. Muchos de sus solos fueron memorables y podrías tararearlos. Pero Camel tuvo un punto débil, y tal vez esa fue la razón por la que tuvieron menos éxito que algunos de sus pares. No había ningún cantante e intérprete natural en esa banda. Más de uno de ellos podía cantar, pero ninguno tenía una gran voz o presencia en el escenario como Peter Gabriel, Ian Anderson o Greg Lake. Escribir letras tampoco era su mejor habilidad, y no es de extrañar que su álbum “conceptual” más conocido de la época sea uno sin letras.

“Moonmadness” no es un disco conceptual pero gana muchos adeptos cuando se escucha al completo, entre otras cosas porque nos ofrece una variedad que se perfila bajo el mismo estilo. La gira mundial que tenían programada en 1976 se les echaba encima por lo que tuvieron que grabar el disco de forma precipitada, algo que no influyó en la calidad y originalidad del trabajo, aunque sí en la duración ya que no alcanza los 40 minutos, algo que resulta quizás corto para este estilo de música. La psicodelia, la espacialidad y los desarrollos progresivos con acercamientos al jazz se registran con una personalidad característica gracias a la producción del ingeniero de sonido Rhett Davies. Ademas este disco, lo volvieron a sacar en DVD / Blu-Ray por Camel Productions el 17 de septiembre de 2019 y trae una joya que esta grabado en vivo del concierto realizado el 17 de septiembre de 2018 en el Royal Albert Hall. Parte de la razón de esto puede ser la presencia de Pete Jones (Musico que llego a la fama luego de ganar un concurso de television "Star of a Night".

Parthenon - Mare Tenebris (2005)

De nuevo frente al equipo para compartir música, y buscando material nuevo para un programa de radio me encontré con una banda Venezolana llamada Parthenon, que fue fundada en 1979 por el baterista Juan Carlos Ballesta y el tecladista Robert Santamaría. Después de algunos años, el tecladista Victor Fiol abandonó la banda para unirse a la conocida banda venezolana Témpano y pronto Parthenon se disolvió. Robert se trasladó a España y se unió a la banda Amarok, luego, a principios de los años noventa, los dos amigos de la escuela se juntaron nuevamente y rearmaron Parthenon, junto con una cantante, un bajista y músicos invitados los cuales hicieron nuevas versiones de las primeras canciones y volvieron a grabar dando forma a este CD que ahora presentamos,el cual me gusto muchísimo y quiero compartirlo con ustedes.

Ademas tengo mucho tiempo siguiendo a una persona en Twitter y en Mixcloud y escribe para la revista La Dosis, el personaje en cuestión en Juan Carlos Ballesta, y que tiene un gran conocimiento musical y ahora me doy cuenta que es el Baterista de esta Banda.

Buscando información, el portal Manticornio nos comenta que "PARTHENON fue fundado en Caracas, Venezuela, a principios de 1979 por Juan Carlos BALLESTA (batería) y Robert Santamaria (teclados), entonces compañeros de colegio. En junio de 1979, una vez completada la formación con otros músicos de la escuela, ofrecen su primera actuación en el Colegio Champagnat. En los meses siguientes, después de un sinnúmero de cambios de personal, la banda queda integrada por Víctor Fiol (bajo, guitarra y voz), Nicolas Labropoulos (guitarra solista), Laureano Rangel (batería) y Robert Santamaria (teclados). Esta formación dará una sola actuación, a mediaados de 1980, en la Universidad Simón Bolívar de Caracas. Finalmente, el grupo se convierte en trío debido a la salida de Nicolas Labropoulos. Después de un concierto en la Universidad Central de Venezuela (Caracas) a principios de 1981 y tras la marcha de Víctor Fiol al grupo TÉMPANO, Laureano Rangel y Robert  intentarían, sin éxito, reformar al grupo, quedando disuelto definitivamente a finales del mismo año.

23 años después, PARTHENON se reagrupa contando con nuevos integrantes (Robert  en teclados y percusiones, Juan Carlos Ballesta en la batería, Marta Segura en voces, Alán Chehab en bajo Fretless y Pere Vilardell en la guitarra eléctrica) y realizan el álbum "Mare Tenebris".

Mas Libros - Miles, Parker y Holiday

Seguimos con los Libros de personajes musicales que han marcado la pauta universalmente, primero tenemos a Miles Davis quien ha sido uno de los músicos más importantes e influyentes del mundo. Su extraordinaria vida ha sido objeto de numerosas biografías, sin embargo, no fue hasta 1989, dos años antes de su muerte, cuando publicó su autobiografía. En ella Miles se desnuda ante el lector y habla con toda crudeza de su vida personal, de su adicción a las drogas, del alcohol, de su relación con las mujeres, del racismo que existía en el negocio de la música y, sobre todo, de música y de músicos, de su relación personal con leyendas del jazz como Charlie Parker o Dizzy Gillespie, entre otros. Además de un documento histórico de incalculable valor es una narración apasionante e intensa.

Seguimos con Charlie Parker murió de un ataque de risa. Al día siguiente, en algunas paredes de Nueva York podía leerse una pintada: ¡Bird Vive! Así se escriben las leyendas.

Quienes le conocieron afirman que la vida se le escapaba a raudales por la embocadura del saxo. Y al mismo tiempo le entraba la muerte por las venas, en forma de droga, alcohol o cualquier otro estimulante que le permitiera sumergirse en su abismo creativo.

En fin de tan simple ecuación -restar vida, sumar muerte-, era evidente el forense afirmó que el cadáver podía pertenecer a un hombre bien entrado en la cincuentena.

Pero Charlie Parker contaba apenas treinta y cinco. Acababa de morir el lider de una generación de los mejores jazzmen, llamado Bird por la altura del vuelo que alcanzaban las notas al nacer en su instrumento. Ross Russell -ajeno a cualquier pretensión estilística- es sin duda el más autorizado biógrafo del pájaro Parker. Como productor asistió en directo a los más inspirados solos de Bird, pero como amigo tuvo que salvarle en más de una ocasión de una muerte que le rondaba. La profundidad de su relación -a la vez íntima y profesional- explica que este libro se convirtiera desde su aparición en un clásico de la historia jazzística. Charlie Parker: Un soplo de vida.

Y terminamos con el libro de Julia Blackburn quien aporta una visión mucho más completa de Holiday como artista que cualquier otra biografía que haya leído hasta la fecha... Un retrato sublime?. Blackburn retrata a una artista única de un modo conmovedor e inolvidable-. Esta novedosa biografía que viene a sumarse a los muchos libros publicados sobre Billie Holiday es ciertamente destacable, pues ninguna otra obra ha conseguido captar el contexto de su obra y su vida con tanta intensidad-. De la prestigiosa red de libros Global Rhythm Press.

Libro - La Verdadera Historia de Frank Zappa

Creamos La Hora del Rito, para disfrutar de Musica y Lectura, bueno hemos colocado varios Discos, ahora vamos con libros, en este caso vamos con Biografias de Musicos, que hemos colocado aqui en el Blog, para hoy publicamos "La Verdadera Historia de Frank Zappa", publicado en 1989,este libro de Frank Zappa se adelantó a la avalancha de autobiografías del rock. Aunque no proporcionó realmente un modelo a imitar: se trata de una combinación personalísima de vivencias y reflexiones (que fácilmente podríamos describir como diatribas). Y nadie despotricaba con tanta elocuencia como Zappa. Se hizo un poco de aquella manera: durante tres semanas, Frank charló con Peter Occhiogrosso en su casa de Los Ángeles. El músico marcó el territorio que quería cubrir e ignoró el resto. Por ejemplo: su primer matrimonio (y consiguiente divorcio) se resuelve en cuatro líneas. La ruptura con Don Van Vliet, alías Captain Beefheart, apenas es mencionada, aunque no se priva de señalar las deficiencias profesionales de su antiguo "mejor amigo".

Aquí asistimos a disparatados encuentros con eminencias como Mick Jagger, Eric Clapton o Al Gore; contemplamos las vergüenzas de un juicio grotesco en los tribunales de la monarquía británica o de una estrafalaria inquisición en el Senado estadounidense; oímos sabios consejos para instruir a la infancia en el racionalismo escéptico y el higiénico rechazo de todos los dogmas eclesiásticos… Aquí se revientan los empalagosos cánones de la memoria pop para construir una reflexión ineludible sobre nuestro tiempo y nuestra necedad.

Citizen Cain - Skies Darken (2012)

Citizen Cain se formó originalmente en Londres en 1982. Sin embargo, poco después de que naciera una nueva formación que lanzó su álbum debut oficial Serpents In Camouflage en 1992. La banda no estaba contenta con el resultado, aunque el sello holandés SI Music acordó lanzarlo. Su álbum de seguimiento Somewhere But Yesterday también fue lanzado a través de SI Music en 1994. En 1996, el sello se declaró en quiebra y desde entonces sus álbumes: Ghost Dance (1996), Raising The Stones (1997) y finalmente Playing Dead (2002). fueron lanzados por el sello británico Cyclops. Después de ahí todo se volvió silencioso alrededor de Citizen Cain, hasta que en el 2012 F2 Records / Festival Music lanzó su álbum de regreso Skies Darken. Además, todo el catálogo posterior de la banda será reeditado por Festival Music y ¡son buenas noticias!

La música de Citizen Cain siempre ha sido fuertemente influenciada por los primeros Discos de Génesis . Algunas veces sus composiciones sonaban más como este ícono del prog que la banda misma. Especialmente la voz del cantante Cyrus se parece mucho a la voz y el timbre de Peter Gabriel . Además de las partes dominantes del teclado de Stewart Bell, a veces recuerdan la maravillosa interpretación de Tony Banks. Sin embargo, no es justo llamarlos un clone de Génesis. La música de esta banda escocesa es mucho más oscura. Si menciono Génesis como una referencia fuerte, también tengo que mencionar la formación inicial de Marillion con Fish, que también fue muy influenciada por Génesis. La música de Marillion también se puede notar en los muchos álbumes de Citizen Cain, que también es el caso en el nuevo álbum. Otro tema que ha permanecido en Skies Darken es la mitología griega que Cyrus usa como inspiración para sus letras.Tiene este tema sobre cómo el hombre no ha podido aprender de los errores pasados ​​y los cielos se están volviendo más oscuros debido a eso. Pronto alcanzará a la humanidad y la tormenta se romperá.

Machiavel - Jester (1977)

Bueno como estamos en tiempos del Guason y fui a ver la película, la cual les recomiendo ampliamente, les traigo hoy esta banda de Belgica llamada Machiavel con su disco Segundo Disco llamado "Jester" (Bufona). Una joya oscurecida y subestimada del estilo progresivo sinfónico de los últimos días. Mientras que las bandas británicas de progresivos ya estaban en declive en la víspera de la revuelta punk en 1977, la belga MACHIAVEL produjo un álbum bien equilibrado, melódico y extremadamente escuchable. Por supuesto, no se puede esperar nada innovador o mucho original en este período, pero MACHIAVEL demostró que incluso el reciclado de viejas ideas progresivas se puede hacer de una manera agradable e interesante. El piano eléctrico es dominante en este disco y llama la atención a los fanáticos de GENESIS ó SUPERTRAMP. Muy buen álbum y uno de los mejores representantes del rock progresivo sinfónico "continental".

La escena del rock progresivo de Bélgica parece un poco oscura, supongo que tiene que ver con el país, que se encuentra entre los Países Bajos al norte, Francia al sur y Alemania al este, y todos los países vecinos tenían el rock progresivo mejor representado ( Francia con Angle, Atoll, Pulsar, Magma, Sandrose, Carpe Diem y Gong, los Países Bajos dieron Focus, Earth & Fire, Alquin, Supersister, Ekseption y Trace, y Alemania tenía demasiados para mencionar de Krautrock of Can, Ash Ra Tempel, Amon Duul II, Tangerine Dream, etc. a la sinfónica más tradicional de Eloy, Grobschniit, Novalis, etc.).

Luis Alberto Spinetta - A 18' Del Sol (1977)

Si te gusto, el documental de Luis Alberto Spinetta, que coloco NatGeo, en su serie BIOS, te traigo este discazo del flaco para que te deleites con su música, A 18' del Sol es el tercer álbum solista y 10º en que tiene una participación decisiva el músico argentino. Fue editado en 1977 por CBS.

Este disco marcó la décima participación discográfica de Spinetta, ya sea solo o con alguna de sus bandas. A pesar de su escasa difusión, es una de las esquisitas obras de gran calidad del "Flaco", tratándose de su álbum más cercano al jazz fusion, en donde sobresalen la impecable ejecución y el virtuosismo de Luis y sus músicos. La atmósfera del disco, algo alejada del rock, es delicada y suave.

El estilo poético de Spinetta se expresa claramente en este disco, cuyas letras, carentes de toda alusión a la realidad de la época, son de carácter atemporal y profundo. A 18' del Sol, es un disco variado, con temas instrumentales, como Telgopor, y A 18' del Sol y un tema acústico (Canción para los días de la vida). El nombre del álbum (A 18' del Sol) se debe al intento de reflejar la distancia entre la tierra y el sol (medida en velocidad luz). Hubo un error involuntario y "sobraron" diez minutos, pero se decidió dejar de todos modos el título tal cual se lo había puesto originalmente.​

"Invisible se había separado en diciembre de 1976 despues de un concierto multitudinario en el Luna Park, y un dia de marzo del '77 pasé por la casa de L.A. Spinetta porque teníamos que hablar de algunas cosas y me encontré con Diego Rapoport, nos conocimos ahí y al rato nos pusimos a tocar, hubo entendimiento inmediato con él. Diego le dijo a Luis algo asi como 'tenemos que tocar con Machi' (ellos ya lo venían haciendo) y Luis me dijo: 'Machi andá a buscar el Fender'. Así fué como me integré a esa propuesta de Spinetta post Invisible que derivó en el disco 'A 18' del sol'. Tocamos por algun tiempo en trío sin baterista -incluso fuimos de gira a Tucumán- donde Rapoport usaba un teclado como una suerte de bateria electrónica muy elemental. Al poco tiempo hablamos con Osvaldo López, gran baterista argentino que a la sazón era músico del Mono Villegas, y así quedó formada la banda que registró el disco"Machi Rufino

Luis vuelve a la fusión en este álbum, al igual que su trabajo con Invisible en torno a Durazno sangrando. La diferencia es que esto es menos inconexo y discordante, y todos estos atascos fluyen maravillosamente gracias al pianista Diego Rapoport y, por supuesto, la guitarra de Spinetta (¡no es un instrumento, es una extensión de su alma!). Por lo general, no soy un gran fanático de la fusión, ¡pero muchas de las cosas aquí están llenas de botín! Su voz también es muy gentil, y llevan estas canciones con una sensación de confort. ¡Es una locura! Especialmente en "Viejas Mascarillas". La instrumentación es muy sutil, pero está hecha con mucho gusto. "Canción para los días de la vida" es otra hermosa canción, y es totalmente acústica. Por favor, sírvanse...

Músicos:

Luis Alberto Spinetta: Guitarra y voz. 

Carlos Alberto Machi Rufino: Bajo.

Diego Rapoport: Teclados. 

Osvaldo Adrián López: Batería. 

Marcelo Vidal: Bajo en Viento del azur 

Gustavo Spinetta: Batería en Viento del azur

Dino Saluzzi - Cité de la Musique (1997) ECM 1616

Una figura clave en la música sudamericana contemporánea, Dino Saluzzi nació en el pequeño pueblo de Campo Santo en el norte de Argentina en 1935. “Mi padre trabajaba en una plantación de azúcar y, en su tiempo libre, tocaba el bandoneón y estudiaba el tango y música folklórica. No había libros, ni escuelas, ni radio, nada. Sin embargo, mi padre pudo transmitirme una educación musical; música que, más tarde, cuando estaba estudiando, me di cuenta de que ya lo sabía, no desde el punto de vista de la razón o la racionalidad, sino más bien de una manera diferente, de una forma extraña, la forma en que se produce por transmisión oral ". Esa noción de centralidad de la transmisión oral de la cultura es una que se ha mantenido fuerte en la identidad musical de Saluzzi desde entonces.

La discografía ECM de Saluzzi se lanzó en 1982 con un álbum en solitario, Kultrum , un ejemplo espontáneo del arte del bandoneonista como "narrador" y el primero de muchos "retornos imaginarios" a las ciudades y pueblos de su infancia. Desde principios de los años 80, hubo muchas reuniones con músicos de jazz: Charlie Haden, Palle Mikkelborg y Pierre Favre ( Érase una vez - Lejos en el sur ); Enrico Rava ( Volver ); Marc Johnson ( Cité de la Musique) que es el que traemos hoy al blog; Tomasz Stanko y John Surman (en Stanko's From the Green Hill ); Palle Danielsson ( Responsorium ); y Jon Christensen ( Senderos ).

Avishai Cohen & Yonathan Avishai - Playing The Room (2019)

Esta es la primera grabación en dúo de Cohen y Avishai, quienes comenzaron a explorar el jazz juntos cuando eran adolescentes en Tel Aviv y han tocado juntos a lo largo de los años desde entonces. El título del álbum es una referencia al espacio donde fue grabado. Por supuesto, "tocar en la sala" es un término de espectáculo para adaptar cada actuación individual al espacio donde se lleva a cabo, lo que generalmente implica una reacción ante la audiencia. Si la multitud está reaccionando a tus números optimistas, puedes desviarte de la lista de canciones para agitar un poco las cosas, pero si parecen estar pensativos, puedes ralentizar las cosas y tocar más baladas. En este caso, es una referencia a la cálida sala de recitales con paredes de madera en el auditorio Stello Molo en Lugano, Italia, donde se registró esta fecha. Como sucede, ahí es donde las alegrías y las soledades de Yonathan fueron grabadas en 2018, y en un momento el productor Manfred Eicher comentó "Avishai [Cohen] debería tocar en esta sala". Y así sucedió. Qué gran elección, también. Eicher rara vez se equivoca con cosas como esas.

El trompetista Avishai Cohen y el pianista Yonathan Avishai, dos espíritus afines propensos a una interacción matizada y atractiva, celebran su antigua amistad y fructífera asociación musical  en Playing The Room , su grabación debut en dúo. El álbum incluye dos originales, uno de cada músico, y muchos guiños a artistas prominentes en una variedad de estilos.

Taproban - Strigma (2013)

Y continuamos con los "Made in Italy", y a continuación les traigo Strigma es el cuarto álbum de estudio de la banda romana Taproban. Fue lanzado en 2013 en el sello francés Musea Records con una renovada alineación que ofrece, además de miembro fundador y principal compositor Gianluca De Rossi (teclados, flauta, voz), una nueva sección rítmica marca formada por Roberto Vitelli (bajo, guitarra eléctrica , sintetizador) y Francesco Pandico (batería, percusión) que sustituyó a Guglielmo Mariotti y Davide Guidoni. Según la banda, el título es un juego que combina dos palabras latinas: Strix (brujas) y el estigma (marca).

Fue inspirado por la idea del elemento del fuego asociado con las mujeres y de alguna manera este concepto fue desarrollado a través de la música, las imágenes y las palabras. Hay que hacer notar que esta banda conceptualmente generó sus cuatro discos en los cuatro elementos el primero basado en el elemento Tierra, el Segundo el Aire, el Tercero el Agua, y este por el Fuego.

El álbum es casi completamente instrumental pero la cubierta, hermoso arte de Daniela Ventrone y la obra de arte por Gianluca De Rossi que se puede encontrar en el folleto le puede dar una idea de lo que la música se trata. Bueno, el sonido general podía recordar a bandas como Le Orme, Goblin o Banco del Mutuo Soccorso pero la banda exhibe gran personalidad y frescura que mezcla sonidos vintage e ideas originales ..

Quella Vecchia Locanda - Il Tempo Della Gioia (1974)

Y seguimos con los italianos, lo dije en un post anterior, uno no se cansa de volver a oír estas joyas, no se pierdan esta maravilla musical exquisita y única, un discazo muy en la onda de Premiata Forneria Marconi, digno de estar al lado de las mejores obras del rock progresivo porque justamente creo que es de las mejores obras del género. Imperdible. QUELLA VECCHIA LOCANDA es una gran banda italiana de la escena histórica, formada en Roma a principios de los setenta. QVL reproduce una música compleja con muchas combinaciones instrumentales, hermosas melodías y una sofisticación muy alta. 

Todo el mundo conoce a los grupos italianos PFM, Banco y Le Orme, pero hay una serie de grupos, que hasta hace pocos años eran muy desconocidos para la mayoría de los fans progresivos, mas que nada por el hecho de que, en su momento, no dieron el salto al mercado anglosajón como PFM o Banco, Quella Vecchia Locanda es uno de ellos. Por la popularidad adquirida cualquiera podría pensar que Premiata Forneria Marconi son mucho mejores que Quella Vecchia Locanda, pero para mi la única diferencia entre ambos grupos es la longitud de sus carreras discográficas, mientras PFM tiene una discografia larga, que llega hasta la actualidad, QVL no pasaron de los dos albums. Sinceramente creo que cualquiera de los dos albums de QVL son tan buenos como los mejores de PFM, Banco o Le Orme, y el tiempo poco a poco los va situando donde se merecen.

E.S.T. (Esbjörn Svensson Trío) - Plays Monk (1996)

Esbjörn Svensson Trio Plays Monk es un álbum de EST , publicado en 1996 por Diesel Music. El álbum es un homenaje al pianista de jazz Thelonious Monk . 

Quien oiga por vez primera este homenaje a otra de las grandes influencias de E.S.T., quien fue Thelonious Monk, en su reproductor de CD y pulse el botón de play, quedará cuando menos sorprendido al escuchar, de comienzo, un ritmo de batería pop y un cuarteto de cuerda creando un ambiente exquisito . La fusión de estilos del trío sueco comenzaba a hacer grandes progresos, siempre con la mesura y la discreción que les caracteriza.

Grabar en su discografia un nuevo disco y siendo uno de tributo a Monk era una difícil tarea que podía resultar vacía en la medida en que se respetaran los originales, y caótica cuanto más se alejara uno del concepto distintivo del gran Thelonious. Svensson y compañía aportaron su visión personal, desplazando melodías ("I Mean You"), siendo fieles al swing ("Criss Cross"), rearmonizando ("'Round Midnight", versión que utilizaron como bis en algunos de sus conciertos) o llevando las partituras a su terreno ("Bemsha Swing" y su riff de bajo). En cuanto al grupo, si bien cada vez se mostraba más como una banda totalmente cooperativa, con pianista y contrabajista repartiéndose los arreglos de cuerda y los tres músicos disfrutando de momentos de importancia por igual. 

Area - Gli Dei Se Ne Vanno, Gli Arrabbiati Restano! (1978)

Cuando le preguntas a la gente, sabes de bandas progresivas Italianas? te responden siempre con la gran triada italiana "Banco, Le Orme y Premiata" pero no van mas alla de eso, una que otra banda mas, hay tantas y vamos a nombrar aqui algunas como: "Il Balleto di Bronzo, Taproban, Clepsydra, Sirio 2222", pero que bueno uno reunirse con otros que si conocen, y este fin de semana estuve en una maravillosa reunión hablando y disfrutando con excelentes amigos y vino a la mesa una banda italiana llamada Area, de la bran triada como les mencione Premiata es la que con mayor fortuna se internacionalizó, en especial por su facilidad con la lengua inglesa. Sin embargo, todos sus discos en inglés pueden considerarse como epígonos de sí mismos, obras derivativas y sin duda menores, ninguna de las cuales superó o se acerca a sus dos primeros discos. Sus dos primeros discos, ambos grabados en 1972, Storia di un minuto y Per un amico, no serían ya igualados por ningún disco posterior. El magnífico L'isola di niente, de 1974, les servirá para su definitiva internacionalización. Pero todos los discos posteriores son obras menores, y en cierto sentido, prescindibles, si de rock progresivo italiano se habla.

Le Orme, igual que PFM, logró una mediana internacionalización, llegando a grabar incluso el disco Smogmagica en Los Angeles. Sin embargo, no todos sus discos son de la misma calidad, y ya entrada la década de los 90, con la entrada del new age el grupo prácticamente se desdibujó en una mixtura de estilos que lo hicieron prácticamente irreconocible.

Por su parte, Banco del Mutuo Soccorso es un caso prácticamente único, pues no solo no dejó de tocar jamás rock progresivo, sino que además tenía (y tiene) una clara tendencia y orientación política de corte marxista. Esto explica la elección misma del nombre del grupo (y la imagen de la alforja que reunía el dinero para la comunidad que aparece en su primer disco, el cual fue originalmente editado en forma de alforja, justamente), que hace referencia a las instituciones populares que se crearon en diversas regiones de Italia durante la primera mitad del pasado siglo, hasta la forma de abordar los temas de sus discos, como la visión crítica de la historia en Darwin!, la libertad política en Io sono nato libero, la defensa de las culturas minoritarias en Canto di primavera, etcétera, y mucho más recientemente, su apoyo a la causa del Ejército Zapatista de Liberación Nacional en Chiapas y a la Revolución mexicana en varias canciones como "Emiliano" (referencia a Emiliano Zapata). 

Pero no nos vayamos del tema que me interesa, y sigamos, AREA fue una de las principales bandas de rock progresivo de Italia de los años 70 liderada por el vocalista Demetrio Stratos, quien solo, empujó a esta banda más allá de los límites de las bandas de rock progresivo más aventureras de la época. Con su gracia vocal única que aumentó las octavas hacia arriba y hacia abajo con una precisión asombrosa y se acercó al límite vocal humano de 7000 Hz, Stratos fue la guinda de un pastel ya ecléctico donde cada músico se destacó en su respectivo instrumento y juntos esta banda creó algunos de los Los álbumes más raros de los años 70 con su innovadora fusión de jazz, rock, folk de Oriente Medio y una tendencia a lo inesperado. La banda fue un gran éxito entre los jóvenes, principalmente debido a su contenido lírico de tendencia socialista, pero como las qué han pasado por estas décadas.

Charlie Haden & Gonzalo Rubalcaba - Tokio Adagio (2015)

Hoy queremos recordar que el sello Impulse / Universal Music Classics estrenado en el mercado un álbum con el fallecido contrabajista Charlie Haden, el cual tenia ya tocando más de una década con Gonzalo Rubalcaba en Japón.

El álbum fue grabado en el club de jazz "Blue Note" de Tokio durante cuatro noches de presentaciones en el 2005. La crítica especializada ha indicado que la calidad artística y técnica es de primera, así como el respeto y el silencio. "registrado" durante las presentaciones, excepto en los momentos de aplauso. Anteriormente ambos habían grabado juntos The Montreal Tapes (1998), Nocturne (2001) y Land of the Sun (2004), que obtuvo un premio Grammy . El álbum se llama "Tokyo Adagio" y es el segundo disco póstumo que se publica de Haden. El primero fue con el guitarrista Jim Hall , grabado en Montreal en 1990.

Lo que aquí nos encontramos es un gran concierto lleno de serenidad, lirismo y contrastes, llevado perfectamente por el piano de Rubalcaba y completado magistralmente por el contrabajo de Haden cuando se necesita.

Hoy se cumplen 60 del Fallecimiento de Billie Holiday.

Para los que hasta esta fecha no la conocen, el cual su verdadero nombre es Eleanora Fagan, nacida en Filadelfia en 1915 y subio a otro plano en Nueva York en 1959. Cantante de jazz estadounidense. Huérfana desde temprana edad, su vida estuvo marcada por el infortunio: violada a los diez años, con doce empezó a prostituirse, hecho por el cual estuvo cuatro meses en prisión.

Su suerte cambió a partir de su participación en un casting para un puesto de bailarina en el Pod's & Jerry's, donde, tras un estrepitoso fracaso, el pianista del local la invitó a cantar, lo cual permitió que el crítico y productor John Hammond descubriese en ella unas extraordinarias cualidades vocales, a pesar de su nula formación musical.

Miles Davis - Doo-Boop (1992)

Un momento de silencio, por favor, al menos por la idea del último álbum incompleto de Miles Davis, Doo-Bop.. Miles quería capturar el sonido de las calles urbanas de hoy. Así que se enganchó con el productor de hip-hop Easy Mo Bee (también estaba trabajando con Prince pero no terminó nada). El resultado se centra casi por completo en Miles, que tiene solos con una lógica impecable y una delicadeza nostálgica a través de pistas de ritmo de hip-hop suavemente complejas. Pero esas pistas son demasiado suaves, y muy rápidamente, el álbum comienza a sonar como un elegante fondo de pantalla auditivo, música de fondo para la sala VIP de un nuevo y elegante local nocturno. Mejor esto, supongo, que los últimos álbumes de Miles, cargados de canciones (y bandas de respaldo) que nadie necesitaba escuchar. Pero desearía que Miles realmente hubiera confiado en la calle.

Esta, la última grabación del ícono de la trompeta tardía, que solo se encuentra explorando el hip-hop, apropiadamente, ya que Davis colocó continuamente su sonido característico en el pop contemporáneo, el rock y el R&B. Si "Doo-Bop" tiene éxito solo en los ataques y arranques, probablemente sea más el resultado de una aventura por primera vez que de la fuerza de la interpretación de Davis o lo apropiado del contexto del hip-hop.

Shinya Fukumori Trio ‎– For 2 Akis (2018)

El baterista japonés Shinya Fukumori tocaba violín, piano y guitarra antes de tocar la batería. Estudió en los Estados Unidos y completó su educación formal en el Berklee College de Boston. Pero tuvo que mudarse a Alemania, específicamente a Munich, sede de ECM, para encontrar su camino. Allí, Shinya se unió al pianista alemán Walter Lang, y con el saxofonista Matthieu Bordenave. Los tres tienen una química especial, y los dos europeos muestran una gran empatía con los elementos culturales japoneses en esta música. Este trío dirigido por un baterista japonés-francés-alemán es otro hallazgo del sello ECM.

Fukumori se mudó a los Estados Unidos para estudiar música cuando tenía 17 años. Terminó sus estudios musicales en Berklee College of Music en Boston, donde recibió varios premios, antes de mudarse a Munich, Alemania en 2013. Lanzó su álbum debut como solista For 2 Akis con su propio trío, incluido el saxofonista Matthieu Bordenave y el pianista Walter. Lang , en la etiqueta ECM en 2018.

Ahi Vamos - Cerati Infinito!!!

Bueno ahí vamos, Siempre es Hoy y Hoy conviven aquellos que lo fueron a ver cuando nadie lo conocía con los que lo empezaron a seguir en su niñez, en su adolescencia y en su adultez. Conviven aquellos a los que les explotó el corazón el día que se supo que volvía Soda con los que lo descubrieron esa noche en la ciudad de la furia. Hoy conviven, juntos, todos los que se preocuparon por él como si fuera alguien de su familia esa noche del 2010. A todos nos llega ese momento, a todos nos llega Gustavo. No hay momento de nuestra vida que no pueda ser explicado con alguna de sus canciones. Sus letras, simplemente, pueden calarte hasta lo más profundo del alma. Como solista o como Soda, no puedes negarlo, tu vida siempre tuvo algo de Cerati. ¿Quién no cantó una de sus canciones? ¿Quién no gritó una de sus canciones? ¿Quién no lloró una de sus canciones? Para nosotros, hoy, la palabra infinito se llama Gustavo.

De Luis Spinetta para Gustavo:

Dios Guardián Cristalino de guitarras 

que ahora  más tristes  penden y esperan de tus manos la palabra 

Precipitándome a lo insondable,  tus caricias me despiertan a la vez

en un mundo diferente al de recién...

Tu luz es muy fuerte  es iridiscente y altamente psicodélica 

Te encuentro cuando el sol abre una hendija 

que genera notas sobre la pared sombreada 

Y suena tu música en la pantalla , sos el ángel inquieto que sobrevuela 

la ciudad de la furia 

Comprendemos todo,  tu voz nos advierte la verdad 

Tu voz más linda que nunca.

King Crimson Songbook, Volume 1/2 (2005-2009)

Bueno si creían que el proyecto no seguía porque habíamos cambiado de Latitudes, quedaron eliminados señores, esto sigue y se extiende, así que sigamos con este álbum King Crimson Songbook, Volume 1 y 2, ya que el Rey Carmesí esta haciendo una gira por latinoamerica,vamos a hablar de ello, esta es una banda de jazz formada por Ian Wallace en la batería, Tim Landers en el bajo y el pianista Jody Nardone en 2005. El trío se dedicó a re interpretar música de la banda de rock progresivo King Crimson, de la que Wallace formó parte entre 1971 y 1972. La banda se desintegró tras la muerte de Wallace en 2007.

Wallace formó parte de King Crimson junto a Robert Fripp, Peter Sinfield, Boz Burrell, Mel Collins y Keith Tippett durante la grabación de Islands, lanzado en 1971, y más tarde durante la gira Earthbound, tras la cual se tenía prevista la disolución definitiva de la banda. Sin embargo, Fripp continuó con otros músicos, mientras que Wallace con los demás abandonaron la formación. Al igual que varios miembros de la banda, Wallace continuó vinculado a King Crimson de alguna manera: en 2003 formaría parte de la 21st Century Schizoid Band (banda que también se dedicaría a reinterpretar música del Rey Carmesí) junto con anteriores ex-miembros.

En 2004, tras la disolución de la 21st Century Schizoid Band, Wallace contacta al bajista Tim Landers y al pianista Jody Nardone para un proyecto tributo a King Crimson, interpretando piezas de la banda en un estilo de jazz fusión. En 2005 lanzan su primer álbum, King Crimson Songbook, Volume One, mediante la discográfica Voiceprint Records. Junto al lanzamiento del álbum, la banda da algunos conciertos en los Estados Unidos.

En 2007 el trío alcanza a grabar King Crimson Songbook, Volume Two. El álbum contó con la colaboración de Mel Collins y Jakko Jakszyk (compañeros de Wallace en la 21st Century Schizoid Band), pero la banda se ve forzada a separarse tras el fallecimiento de Wallace el 22 de febrero del mismo año. Finalmente Collins, Jakszyk y los miembros sobrevivientes lanzan el álbum el 7 de abril de 2009 con Inner Knot Records. 

Pat Metheny - Secret Story (1992)

Existió una época en la que era posible que Plácido Domingo se presentara en Caracas. Les Luthiers se presentó varias veces en la década de 1990, y se realizaban festivales de jazz donde participaban exponentes del género como Pat Metheny y Chick Corea . El 29 de Septiembre 1993 tuve la dicha de poder ver a Pat Metheny en su tour Secret Story con el amor de mi vida. Uno de los gusticos que me ha regalado esta vida, poder ver a un idolo y un privilegiado como él. Asi comienza este post, con un album que me llena de vida, de esperanzas, de fuerzas, ya que es un disco que es parte del soundtrack de mi vida, y en este momento en el cual empieza una nueva etapa quiero compartirlo con ustedes. 

 Pat Metheny ha sido un verdadero pionero en el ámbito de la música electrónica, y fue uno de los primeros músicos de jazz en usar el sintetizador como un instrumento musical. Años antes de la invención de la tecnología MIDI, Metheny usaba la Synclavier como herramienta de composición. También ha participado en el desarrollo de varios nuevos tipos de guitarras, como la guitarra acústica soprano, la "Pikasso" de 42 cuerdas, su guitarra de jazz Ibanez PM-100, y una variedad de instrumentos personalizados. Uno de sus mayores proyectos es el Pat Metheny Group. El Pat Metheny Group surge tras la colaboración con el pianista Lyle Mays al que posteriormente se une el bajista Steve Rodby; este trío ha sido la base de las distintas formaciones del grupo a lo largo de casi 30 años, complentándose con una serie de músicos multi-instrumentistas que han ido cambiando cada proyecto.

PORTISHEAD - Dummy (1994)

Hoy vamos con Dummy, disco debut de una agrupación de trip hop Portishead, emblemático y paradigmatico, en estos últimos 20 años ha servido de farol para otras agrupaciones y aun se mantiene en el cerebro de muchos. Dummy fue el álbum debut de la banda considerado clave dentro de este estilo musical, junto con otras bandas como Massive Attack o Tricky. Este nuevo género musical se conocería también como Bristol sound, debido a que la mayor influencia partía de grupos y sellos discográficos de la localidad inglesa de Bristol.

Ahora considerado por los críticos como un clásico, y como uno de los discos más influyentes de los años 1990, Dummy tenía un estilo más oscuro que la música que le había inspirado. Hay un tesoro por hallar en cada escucha de “Dummy”: el pobre Johnnie Ray asegurando, a las revoluciones de la congoja, que nunca más cometerá el error de enamorarse (“Biscuit”); el redoble de batería de “Mysterons” serpenteando en una cadencia que palpita al ritmo de Morricone y Badalamenti; esa línea de bajo profunda que parece morir tras el disparo del “Magic Mountain” (War) y resucita después para atravesarte entero (“Wandering Star”); esa trompeta con sordina de “Pedestal”, la última pieza viva de un puzle de samples autogenerados –Geoff Barrow (teclados) y Adrian Utley (guitarra y bajos) crean, guardan, recortan y pegan según un reglamento que transforma la prestidigitación en maestría– que, una vez completo, estremece; el sublime arreglo de cuerda de “Roads”, y los singles: “Sour Times”, el hurto más maravillosamente rentable de “More Mission Impossible” (Lalo Schifrin), y “Numb”, un hidromasaje de Hammond, scratch agonizante y desgarro en clave slowbeat soul. 

Partituras de deep hip hop blues, dub, soul, jazz y avant-garde escritas con agua de llanto, producidas con una técnica impecable –suena austero, casi a demo, activando desde buen principio el mecanismo de la pasión para el soundtrack de una película improbable pero fascinante. Feliz Cumple Alvaro...

Charly Garcia -1989

Este post va dedicado a mi hermano Toba (Cristobal Roges), compañero de conciertos, búsqueda de discos en las tiendas de caracas, y compañero de rumbas y detalles en esta tierra santa, excelente compañero ademas porque sabia oír (largas horas compartiendo opiniones) y disfrutar de estos músicos que venían haciendo una toma musical de Latinoamerica, descubriendo a otras genialidades en cada país y sumando a este movimiento llamado "rock latinoamericano", y en este caso Charly Garcia, si bien es cierto que, en ocasiones, la música es vista como un simple acompañamiento de las rutinas o de los medios del espectáculo, más cierto aún es que hay obras con mucho para decir; que cuentan una época, un estado colectivo o personal, la rebeldía, la represión política o social, las grietas humanas. Y cuando la música conecta con algo que te está pasando o que pasa en tus calles, no puedes escapar.

En Charly, esta característica es capital en una obra que, desde una propuesta musical original y momentos tanto de conexión urbana como de introspección absoluta, defiende los ideales de una persona, una generación y un pueblo.

Pero a lo que vamos, en esta oportunidad voy a colocar dos discos, los primeros de Charly que fueron super importantes para mi y creo que para muchos aquí en Vzla. Se trata de "Yendo de la Cama al Living" y "Clix Modernos". 

Jean-Luc Ponty - Aurora (1976)

Vamos a hablar de un músico que cuando lo conocí (de oído claro) fue a través de un disco de Frank Zappa, luego compre un disco solista y mi gusto por su música siguió a través de los años. Quiero presentarles ese disco Aurora, editado en el año 1976 y la versión acústica de Renaissance se convertiría en su primer hit radial. Este artista se llama Jean-Luc Ponty, violinista de jazz contemporáneo francés, nacido en la ciudad de Avranches (Francia) el 29 de septiembre de 1942. Se capacitó como violinista profesional en el Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris. Su interés hacia el jazz fue impulsado por la música de Miles Davis y John Coltrane. Ha tocado con la Mahavishnu Orchestra y otra cantidad de espectaculares músicos, ademas es muy conocido por su violín eléctrico, el cual le da una impronta especial, casi como el sonido de un sintetizador.

Ponty fue pionero en la combinación del violín con MIDI, cajas de distorsión, pedales wah-wah, entre otros, lo que le permite obtener un sonido parecido a un sintetizador. Este lanzamiento le recordará la excelencia de MAHAVISHNU ORCHESTRA, y la hábil composición de BRAND X . Por supuesto, '' Aurora '' está dominada por el magnífico trabajo de violín de PONTY, que abarca desde pasajes suaves y partes con una sabor mediterráneo intenso a innumerables solos, un ejemplo de las habilidades y el talento de JLP. Su esfuerzo está respaldado por los pianos eléctricos distintivos de Patrice Rushen, los solos eléctricos y la entrega acústica del actual miembro de "Genesis" Daryl Stuermer y las fuertes líneas de bajo de Tom Fowler. A diferencia de los instrumentales a veces altamente emocionales de MAHAVISHNU ORCHESTRA, el trabajo de Jean-Luc Ponty se encuentra en el lado más brillante de la vida con un sonido agradable y melódico. Esto debería atraer definitivamente a los fanáticos del jazz / rock mezclado con elementos progresivos, así como fanáticos de las bandas antes mencionadas.

Jan Hammer - The First Seven Days (1975)

Hoy les quiero compartir un Álbum excepcional, de un Artista Checo llamado Jan Hammer y es que este señor se tomo un momento para entregarnos este álbum conceptual el cual nos permite reflexionar y ubicarnos en este mundo y darle gracias al supremo por habernos dado la gracia de estar en él. Este fue el primer disco que Jan Hammer produjo para sí mismo en su estudio recién construido en su casa en el estado de Nueva York. Se trata de Hammer y de la variedad de teclados que empleó, incluidos el piano, Fender Rhodes, piano eléctrico, moog, secuenciadores, sintetizadores, cuerdas. sintetizadores y mellotrón. Si bien no llamaría a este álbum melotrón, está en todas las pistas menos en una, pero generalmente se usa en segundo plano. Me gusta cuando los coros de mellotrón salen a relucir. 

Tal vez había demasiados virtuosos del teclado que se pavoneaban a mediados de la década de 1970, y un artista no tan pomposo como Hammer simplemente se perdió detrás del brillo de todas esas capas de lentejuelas. Y tal vez se necesitó un poco de tiempo y distancia para apreciar mejor la combinación perfecta de tantas influencias diferentes: rock progresivo, fusión jazz-rock, músicas del mundo, canciones populares de Europa central (Hammer era un checo nativo), música clásica occidental. Tradición orquestal y, por supuesto, todas las tendencias emergentes de la electrónica de finales del siglo XX. O tal vez, en retrospectiva, es simplemente el sonido glorioso de todos esos teclados analógicos clásicos. El mini-moog sonoro y la introducción al melotrón de "Darkness / Earth in Search of a Sun" tiene que ser uno de los abridores de discos más dramáticos en el rock moderno, y cuando los secuenciadores entran en acción y los tambores (tocados por el propio Hammer) patean en, es difícil no experimentar un escalofrío de nostalgia y euforia.

ELOY - Silent Cries and Mighty Echoes (1978)

A mediados de los años 80 fue que encontré a esta Banda Alemana llamada ELOY, siendo "Silent Cries y Mighty Echoes" el octavo álbum de esta banda de rock progresivo Ademas es el tercer y último álbum de estudio con la alineación de Frank Bornemann , Detlev Schmidtchen, Klaus-Peter Matziol y Jürgen Rosenthal. El estilo va desde el rock espacial al rock sinfónico. Su nombre proviene del libro La máquina del tiempo, de H.G. Wells, en el que se nombra una carrera futurista con el nombre de "Eloi". Y los Eloys son los pacíficos habitantes de la superficie de la tierra en el futuro que nos presenta Wells, en contraposición de los Morlocks, que son los sucios y violentos seres que habitan bajo tierra. Un libro de ciencia ficción que tiene mucho que ver con la temática del grupo.

Eloy no son los mejores instrumentistas de la historia, pero te puedo asegurar que su música es adictiva, cuando caes en sus redes ya no puedes dejar de escucharlos. Eloy combinó el sonido de Pink Floyd con algunos elementos que caracterizaron a su país de origen, Alemania. El resultado fue una forma altamente atmosférica de rock progresivo/espacial. Si la palabra espacio te trae a Hawkwind a tu mente, Eloy probablemente te sorprenderá, ya que no son tan enérgicos como los pioneros británicos, aunque posiblemente sean igualmente cósmicos; Si Hawkwind o Nektar te hace sentir que te mueves en el espacio de manera similar a un meteoro o un cometa, Eloy se siente como una nube de partículas de polvo flotando pacíficamente.

Bill Frisell, Thomas Morgan - Epistrophy (2019 )

Epistrophy” es el nuevo trabajo del guitarrista Bill Frisell a dúo con el contrabajista Thomas Morgan. Se trata de la continuación de su anterior trabajo “Small Town”, cuyo material procede de las mismas sesiones,Grabado en el Village Vanguard de Nueva York el Marzo de 2016. Otra joya para el sello ECM, mezclado por James Farber y Manfred Eicher, el álbum cubre desde la canción tradicional (“Red River Valley”) a composiciones de Thelonious Monk (como la que a título al disco), Billy Strayhorn,  la cinematográfica “You Only Live Twice” de John Barry o el tema popularizado por la interpretación de Frank Sinatra, “In the Wee Hours Of The Morning”. 

Una vez más, tanto Frisell como Morgan están en su mejor momento, se comportan como si fueran una persona casi (lo extraño que pueda sonar), repasando una buena selección de composiciones y estándares originales frente a un público muy agradecido (Quien no va ha estarlo?).

Gentle Giant – Gentle Giant (1970)

No podía dejar por fuera a una banda favorita de mis días de juventud. Es la Banda Gentle Giant, la cual fue formada en 1970 en Inglaterra por los hermanos Shulman, después de que se disolviera su grupo anterior, Simon Dupree and the Big Sound, en 1969. Junto con Gary Green, Kerry Minnear y varios bateristas, grabaron once álbumes a lo largo de los años setenta.

Sus primeras grabaciones tendieron a ser más eclécticas y experimentales. En 1974, cuando ya tenían más seguidores en los Estados Unidos, comenzaron a simplificar sus composiciones para poder ganar mayor audiencia. Los discos The Power and the Glory y Free Hand subieron del lugar 50 de popularidad en ventas en los Estados Unidos.

Para 1977, cuando la moda tendía más hacia la música punk y la new wave, el grupo eligió simplificar todavía más su música para hacerla más comercial. En 1979 la banda se mudó a los Estados Unidos para grabar el disco Civilian, después del cual se disolvieron. 

Producido por Tony Visconti, el LP ofrece una mezcla entre hard rock, jazz, blues-rock y sonidos medievales a través de una brillante interacción instrumental. Destacan a largo de todo el álbum el saxo de Phil Shulman, la guitarra de Gary Green y los teclados de Kerry Minnear.  Diversos pasajes sonoros con complejas estructuras, heterogeneidad de estilos, variaciones de tempos, originales arreglos y un apreciable sentido para la melodía son características encontradas en uno de los temas más significativos del disco, “Nothing At All”, canción con excelentes armonías vocales, mixtura entre pasajes acústicos y eléctricos, extenso solo de batería, y lírica melancólica que gira en torno a la soledad y el amor perdido.

Jan Garbarek, Charlie Haden y Egberto Gismonti - FolkSong (1979)

Volvamos a los Clásicos. Tengo una excelente impresión de este disco - razón porque lo destaco - pero solo en mi calidad de simple aficionado creo que se trata de un álbum realmente excepcional, creado con tanta pulcritud cada uno de sus temas que me impresiona. Teniendo en cuenta que cada una de las intervenciones del músico es la justa y necesaria para hacer del tema un todo armónico, y destacando a los tres por separado por la ejecución del instrumento con un sonido perfecto, lo necesario para los compases que debe acompañar así como también su exacta medida cuando se trata de solista.

Gismonti, apoyándose para la interpretación en sus guitarras de ocho cuerdas y en el piano, es quien aporta un mayor número de originales (tres), acercándose a músicas latinas de raíz y creando colchones armónicos obsesivos, entre la canción de cuna y el minimalismo (no en vano dedica “Equilibrista” al mismísimo Steve Reich). Jan Garbarek aborda con extremado lirismo (y lo que Philip Larkin llamaría, en este caso más que nunca, “desencanto escandinavo”) melodías e improvisaciones (especialmente en su composición “Veien”), y Charlie Haden comanda al grupo desde atrás, desde la base rítmica y armónica dominada por un contrabajo que se encarga de varias y variadas funciones musicales. Sin fronteras, sin etiquetas y sin dilemas estilísticos. Pura música.

Rymdem - Reflections & Odysseys (2019)

Ciertamente puedes llamar a Rymden un verdadero súper grupo de jazz. Además de la celebridad del jazz Bugge Wesseltoft en los teclados, Rymden tiene al glorioso bajista Dan Berglund y al baterista Magnus Öström, la sección de ritmo que formó la muy influyente EST con Esbjorn Svensson (Que Dios lo tenga en su santa gloria). Reflections & Odysseys es su primer álbum.

Wesseltoft, por supuesto, tan conocido como tecladista que como jefe del sello discográfico de Jazzland, ha hecho un gran movimiento al trabajar con Berglund y Öström. Porque justo en la primera escucha, queda atrapado en lo que estos hombres pueden hacer. Busseltoft juega con estos hombres al máximo de sus habilidades y juntos están empujando hacia un nuevo estándar de jazz con Reflections & Odysseys . Asi que esta es una gran joya para estar aquí en la Hora del Rito.

Mathias Eick - Ravensburg (2018)

Han pasado 10 años desde que Mathias Eick lanzó The Door e inmediatamente se convirtió en uno de los nuevos trompetistas más prometedores de Europa. Ravensburg , su cuarto álbum de ECM como líder, revela un crecimiento gradual e inteligente. Su principal activo sigue siendo su sonido de trompeta, uno de los más puros y radiantes del jazz. Su lirismo sigue siendo misteriosamente provisional. Nadie toca líneas de trompeta como la de Eick. Son llamadas de esperanza y anhelo, vetas de luz en la oscuridad. Sigue centrando sus álbumes, a la ligera, en torno a conceptos unificados. Su grabación anterior, Midwest , fue un viaje hacia el hogar. Ravensburg es para los más cercanos a él: familia, amigos, y nosotros por supuesto...

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Avishai Cohen - Into The Silence (2016)

Gracias a mi hermano musical Jose Mayorga, me di cuenta de que habian en este Mundo dos Avishai Cohen, que tal!!, uno es una maravilla de Contrabajista y ya lo conocieron en su trabajo de Seven Seas, bueno ahora les presento al otro Cohen, este es trompetista el cual hace su debut como líder para ECM Records y le dedica a su difunto padre el disco, Into The Silence el cual combina el trompetista con una fantástica banda propia que incluye al saxofonista tenor Bill McHenry, al pianista Yonathan Avishai, al bajista Eric Revis y al baterista Nasheet Waits. 

La otra gran fortaleza del trompetista es su lirismo, que cree haber adquirido escuchando a sus maestros: "Aprendí escuchando al más grande: Louis Armstrong, Miles Davis, John Coltrane, Sonny Rollins, Monje Thelonious. Es su "lenguaje" que yo quería aprender a hablar . El tema del lirismo también está relacionado con su país de origen (Israel) y la cultura que pudo captar durante su infancia: " No juego al israelí tradicional, dejé este país a los 18 años". Pero el discurso, así como el contexto de esta música, están definitivamente anclados en mí ". Bueno señores sin mas preámbulo les presento a Avishai Cohen.

Tonbruket - Nubium Swimtrip (2013)

Tonbruket fue fundado en 2009 por Berglund junto con el multiinstrumentista Johan Lindström para hacer una música que no tuviese fácil categorización, ya que en un mismo trabajo se puede ir del jazz rock al free pasando por un jazz muy camerístico. El nombre de la banda sueca se traduce aproximadamente al inglés como "Tone Workshop", y describen su música como "pegada a la esencia del tono, la melodía y el ritmo de una composición". El bajista Dan Berglund, ex integrante del Esbjorn Svensson Trio, fundó el grupo en 2009 con el multi-instrumentista, Johan Lindström, después de la trágica muerte del pianista Esbjorn Svensson en 2008. Tonbruket aspira a tomar la influencia rock que tanto gusta a todos los miembros. del grupo, y combinarlo con las sensibilidades e improvisación del jazz.

Con tantos sonidos e influencias diferentes presentados en este álbum, es difícil de categorizar. ACT Music es conocida por publicar discos que desafían el género y Tonbruket ha estado a la altura de las expectativas. Los músicos en Tonbruket son conocidos como músicos de jazz, pero dentro de este grupo han demostrado que la sensibilidad del jazz puede ser igual de efectiva cuando se usa en la música rock. 

Hoelderlin - Clowns And Clouds (1976)

Seguimos en nuestra maquina del tiempo y esta vez presentamos: Payasos y Nubes, tercer álbum de Hoelderlin, es una obra diferente de este clásico de los 70s de esta banda de rock progresivo sinfónica alemán. No hay duda que Génesis ha tenido una influencia importante en la banda. "Payaso y nubes" es un álbum en que el oyente puede encontrar una especie de rock sinfónico cósmico donde las influencias principales son Génesis, Camel y Grobschnitt.

Es una obra diferente de este clásico de los 70s de una banda de rock progresivo alemán. No hay duda de Génesis es una influencia importante aquí, sobre todo en el lado 'Payasos' (pistas 1 a 3). 'Manicomio' podría haber sido sacada de Trick of the Tail , pero con la adición de viola y saxofón , que le da un sonido totalmente único. 'Your Eyes' es interesante para mí, porque suena como algo que se escucha en un final de los 70 principios de los 80 de los discos de Alan Parsons Project, aunque las secciones instrumentales son mucho más progresivas. El lado 'Clouds' es considerablemente más único y es lo que hace que este álbum sea muy especial. Esta banda se la recomiendo a mi amigo Jose Mayorga, Pura Vida Mae!!!

Ralph Alessi - Baida (2013)

Ralph Alessi es un trompetista a seguir. El problema es que no se prodiga mucho como líder de sus propios grupos. Suele trabajar como ‘sidemen’ y lo hace fantásticamente. Alessi es un gran músico que estaba un poco fuera del circuito habitual y espero que este ‘Baida’ (ECM/Distrijazz)le ponga en su sitio. ECM le ha dado una oportunidad y Ralph ha sabido no desaprovecharla. La compañía es, desde luego, de lujo. Jason Moran al piano, Drew Gress al bajo y Nasheet Waits a la batería.

Con esta misma formación ya había editado el magnifico disco ‘Cognitive Dissonance’ en el sello CamJazz en el 2010. Asi que jugando sobre seguro ha editado este ‘Baida’.Las composiciones son del propio trompetista y están llenas de sabia música. En este ‘Baida’ parece haber querido ir un poco mas allá buscando ampliar su publico, intentando seducir con su profundidad y melodía. Ralph no deja de lado a su gente con temas como ‘In-Flight Entertainement’ o ‘Shank’ pero busca nuevos caminos moviéndose entre el lirismo y la fuerza soterrada de sus músicos, hay delicadeza y potencia a partes iguales pero siempre controlada, eso es lo mas bonito. Temas como el magnifico ‘Gobble Goblins’ es un perfecto ejemplo de esa nueva vía que busca Alessi, ‘Sanity’ o ‘I Go, You Go’ también entran en esta nueva faceta.

Willowglass - Book of Dreams (2008)

Y seguimos desempolvando discos y esta vez vamos a escuchar a un Multi-Instrumentista Ingles llamado Andrew Marshall, el cual toca las Guitarras eléctricas y acústicas, Bajo, Teclados, Mellotron, flauta y percusión, así que mi amigo Wolfgang, este puede ser tu modelo a seguir, bueno seguimos, Marshall es conservador en sus propias pasiones. Sus ideales musicales - clásicos británicos progresistas de los años setenta. Génesis y las obras en solitario de Steve Hackett , Camel ,Jethro Tull , ELP , Gryphon - íconos del género. se hace acompañar en este álbum por su viejo amigo Dave Brightman lo ayuda con la batería como antes. Las pistas de composición son hipercomplejos, dinámicas y figurativas. Con un claro toque melódico, Marshall elabora diseños épicos con algún tipo de gracia aristocrática y nobleza.

En este caso le traemos para su disfrute el Álbum "Book Of Dreams", Los libros de horas fueron un tipo de obras literarias habituales en la Edad Media entre las clases pudientes. Eran libros religiosos y de una gran belleza gráfica en los que se detallaba el tipo de liturgia que debía acompañar a cada hora del día. Andrew con este Disco consiguió una meritoria nominación a los últimos Prog Awards en la categoría de mejor álbum de rock progresivo extranjero. Book Of Hours es una obra sencilla y fácil, por un lado es rock progresivo del clásico, pero hecho con enorme sencillez, como si el amigo Marshall hubiera querido hacer un método sobre qué es este tipo de música en cinco pasos. Por otro lado, es un álbum fácil en el sentido de que la arquitectura interna de cada tema no tiene gran complicación, no aporta gran cosa a los que estén acostumbrados a escuchar rock progresivo. De hecho, parece haber sido desarrollado con la clara intención de que sea un disco fácil, que entre a la primera. Sin embargo, si lo hemos referenciado aquí es porque se trata de una auténtica maravilla sonora, un disco que sólo se puede calificar con el adjetivo de hermoso.

Avishai Cohen - Seven Seas (2011)

Seguimos desempolvando buen material, esta vez un amigo musical que descubrió a un músico excepcional llamado Avishai Cohen, el cual ya lo había escuchado y le envié los discos que yo tenia de él y viceversa, en ese trueque musical les quiero compartir este disco llamado Seven Seas, del año 2011. 

Música preciosista, acústica, de una aparente sencillez que tiene su tierra en el jazz pero que vuela a través de las tendencias contemporáneas siempre con un enorme lirismo. El contrabajista y compositor israelí, amante y defensor del legado musical de la cultura sefardí, publica Seven Seas el 28 de febrero de 2011, dos meses antes de realizar una gira por nueve ciudades españolas para demostrar que es “un visionario del jazz de proporciones globales”, como le definió la revista Down Beat, un “gran compositor y músico genial” según Chick Corea y uno de los cien bajistas más influyentes del siglo XX para la revista Bass Player.

El contrabajista y compositor israelí Avishai Cohen no es el hombre que se adhiere a un sonido. Después de ser descubierto por Chick Corea, se fue por su propio camino con un trío (incluido el pianista Shai Maestro) con una mezcla de jazz creativo moderno y sus raíces hebreas. Seven Seas fue grabado en Gotemburgo por el productor y trompetista Lars Nilsson y desde el abridor etéreo Dreaming parece como si Cohen hubiera olfateado previamente la cultura sueca del jazz. Espacial, el jazz de cámara europeo se mezcla gradualmente con influencias anteriores, como en la pieza del título dominada por la percusión exótica. Cohen tiene un contrato con Blue Note Records, pero Seven Mood no pudo haber estado fuera de lugar en la etiqueta de ECM. 

Taproban - Per Aspera Ad Astra (2017)

"Per aspera ad astra es una frase en latín que significaría en castellano «A través del esfuerzo, el triunfo», «Por el sendero áspero, a las estrellas», «Por las rudezas del camino, hacia las estrellas» o «Hacia las estrellas a través de las dificultades».

Se utiliza también en la forma ad astra per aspera, derivada de la frase original utilizada en la obra de Séneca, el joven.​ La frase de Séneca fue: «Non est ad astra mollis e terris via».

La frase Per aspera ad astra inspiró además un pasaje de la Regla de San Benito (Regula 58,8): «Praedicentur ei omnia dura et aspera, per quae itur ad Deum» («Prevénganlo de todas las cosas duras y ásperas por las cuales se va a Dios»)." - Wikipedia

En un pasado alegre, donde los amigos disfrutaban de un buen foro, presenté una banda formada en 1996 en Roma, Italia por el tecladista Gianluca De Rossi, el baterista Fabio Mociatti, el cantante Paolo Cedrone y el bajista Stefano Proietti, el nombre del grupo proviene de Taprobana, el antiguo nombre de la isla de Ceilán (Sri Lanka). Sus influencias principales en ese entonces fueron bandas británicas de los 70 como Genesis, Gentle Giant y King Crimson. Grabaron dos demos antes de cambiar a los músicos, Valter Strappolini (batería) y Roberto Pizzi (bajo) entrando a la banda en este punto. Su nuevo sonido agregó una fuerte influencia E.L.P. con teclados prominentes.

Nucleus - Elastic Rock (1970)

Hoy vamos de historia y aquí les traigo un Disco de una Banda de Gran Bretaña llamada Nucleus y el disco Elastic Rock, Nucleus fue un grupo de jazz rock británico, que permaneció activo entre 1969 y 1989. Fue fundada por el trompetista, profesor y escritor Ian Carr, el único miembro constante, una vez que se deshizo su asociación con Don Rendell. La formación original (hasta Solar Plexus) contaba además de con Carr, con el tecladista y oboísta Karl Jenkins, el saxofonista y flautista Brian Smith, el guitarrista Chris Spedding, el bajista Jeff Clyne y el baterista John Marshall. Con esta formación, y en su primer año de vida, Nucleus obtuvo el primer premio del Montreux Jazz Festival de 1969 y publicó el álbum Elastic Rock (que consiguió posicionarse en el puesto nº 46 de los charts británicos), además de actuar en el Newport Jazz Festival y en el Village Gate de Nueva York. Este trabajo sería lanzado en marzo de ese mismo año 1970, cuya cubierta seria diseñada por el artista Roger Dean y su contenido bien recibido por los críticos de jazz de la época, considerado como un trabajo pionero para la época de fusión entre el jazz y el rock.

’Elastic Rock’’ es un disco de jazz moderno, por ser lanzado en 1970 tiene toda una impronta rockera y peculiar, la banda es una estricta banda de jazz que supo incursionar eficazmente en los terrenos del fusión, con cierta similitud a trabajos de Miles Davis de la misma época. Desarrollan un jazz estrictamente instrumental, bastante soft pese a incluir guitarra que acerca el sonido al fusión.